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Der menschliche Körper – meistens der eigene – ist häufig Ausgangspunkt der Arbeiten von Mwangi Hutter. Das Künstlerpaar hat eine gemeinsame Identität entworfen, mit der Fragen zur Wahrnehmung von Gender, Kultur, Ethnizität und sozialer Distinktion gestellt werden. Für die Kunsthalle Mannheim entwickeln Mwangi Hutter eine Drei-Kanal-Videoinstallation mit Skulptur, die im Zusammenspiel dynamische Bewegung und bedrohliche Erstarrung einander gegenübersetzt. Der Ausstellungstitel „Schwarz, Rot, Gold?“ bezieht sich auf aktuelle Debatten über Interkulturalität und die Symbolik der Nationalflagge Deutschlands.

Am Mittwoch, 01. Mai 2019, sprechen Mwangi Hutter in der „Bar der Gegenwart“ um 19.30 Uhr über ihre Kunst, die den Raum der BOX mit der Mystik und der Rhythmik des Tanzes fällt. Das Paar zeigt den Körper als sensible Hülle, dessen Hautfarbe eine Projektionsfläche für Abgrenzung und Vorurteile sein kann. Sichtbares und Verdecktes, undefinierte Geschlechtlichkeit und unheimliches Begehren, Stille und kraftvolle Melodien kommen in dieser Installation zusammen.

Im Rahmen der Ausstellung sind eine Fotoedition und ein Katalog entstanden. Der Katalog wird am 01. Mai 2019 anlässlich des Künstlergesprächs vorgestellt. (Mit Beiträgen von Sebastian Baden und Negarra A. Kudumu in Deutsch und Englisch. 80 Seiten, Hardcover, mit farbigen Abbildungen. Ab 01. Mai 2019 im Museumsshop erhältlich. Preis: € 19,80; Fotoedition, 40 x 50 cm, gerahmt ab € 300,00)

In der „Bar der Gegenwart“ wird bei einem Drink mit lokalen wie internationalen Künstler*innen, Macher*innen und Denker*innen besprochen, wie wir die Gegenwart verstehen können. Wie inspiriert Kunst uns, anders auf unsere täglichen Fragen zu blicken – z.B. wie wir mit Zeit umgehen, wie wir unseren Arbeitsplatz organisieren, was uns für unseren Beruf motiviert oder wie wir zusammenleben wollen. Die „Bar der Gegenwart“ findet jeden ersten Mittwoch im Monat um 19.30 Uhr statt.

ProgrammPlus:

Mittwoch, 01. Mai 2019, 19.30 Uhr

Bar der Gegenwart: Artist Talk und Katalogvorstellung

Mit dem Künstler*innen-Duo Mwangi Hutter

LUXX, Museumsrestaurant der Kunsthalle Mannheim

Moderation: Dr. Sebastian Baden und Dörte Dennemann

Kosten: 5 €, Museumseintritt frei – MVV Kunstabend.

Ausstellung:

BOX #3: Mwangi Hutter – Schwarz, Rot, Gold?

01. März bis 05. Mai 2019

Eröffnung: 28. Februar 2019

Kurator: Dr. Sebastian Baden

Um eine stärkere Vernetzung und organisatorische Zusammenarbeit zu erreichen, haben die Kunsthalle Mannheim und die m:con – mannheim:congress GmbH eine Kooperation vereinbart. Dadurch sollen die Synergien der Nachbarschaft am Friedrichsplatz und der institutionseigenen Kompetenzen noch stärker genutzt werden. Die beiden 100-prozentigen Töchter der Stadt Mannheim werden zukünftig Angebote und Dienstleistungen austauschen. Ebenso ist von beiden Institutionen eine Öffnung zur Stadtgesellschaft gewollt. „Die jeweils vorhandenen Netzwerke können sich von nun an gegenseitig ergänzen“, freut sich Dr. Ulrike Lorenz, Direktorin der Kunsthalle Mannheim.

Stephan N. Barthelmess, Kaufmännischer Leiter der Kunsthalle Mannheim, unterstreicht, dass „mit dieser Kooperation das eminent wichtige Wertschöpfungsnetzwerk für die Kunsthalle um einen kongenialen Partner produktiv erweitert wird“.

Durch die Kooperation ermöglicht die Kunsthalle der m:con eine Erweiterung ihres Angebotes als Kongress- und Veranstaltungszentrum. Darüber hinaus kann das Kunstmuseum auf die Kompetenzen und Erfahrungen der m:con im Bereich der Veranstaltungs-, Tagungs- und Kongressorganisation zurückgreifen und bietet mit der Museumsgastronomie LUXX einen erfahrenen Partner für das Catering.

Johann W. Wagner, m:con Geschäftsführer: „Der Kooperationsvertrag bildet die Grundlage für eine engere Zusammenarbeit, um unter anderem einen Mehrwert in den Bereichen Vertrieb von Räumen sowie Organisation und Durchführung von Veranstaltungen zu schaffen. Durch die enge Zusammenarbeit der innerstädtischen Partner m:con und Kunsthalle können wir außerdem den ganzheitlichen Auftritt der Quadratestadt über die Stadtgrenzen hinaus noch intensivieren.“

„Die Kunsthalle Mannheim hat mit der m:con einen professionellen Partner für Marketing, Vertrieb und Akquise ihrer Räumlichkeiten sowie die Unterstützung bei der Durchführung von Veranstaltungen an ihrer Seite. Darüber hinaus werden durch die Zusammenarbeit bisher unerschlossene Zielgruppen aus dem Firmen-, Tagungs- und Unternehmensbereich sowie der Stadtgesellschaft erreicht.“, ergänzt m:con Geschäftsführer Bastian Fiedler.


Grundinformationen:

Kunsthalle Mannheim
Die Kunsthalle Mannheim ist eine der ersten Bürgersammlungen der Moderne weltweit. 1909 als Museum gegründet, baute sie seitdem eine der renommiertesten bürgerschaftlichen Sammlungen Deutschlands auf, die mit Spitzenwerken von Edouard Manet bis Francis Bacon in der Malerei und einem singulären Skulpturenschwerpunkt aufwartet. 2018 wurde mit dem Neubau und dem Jugendstilbau das neue Museumsensemble eröffnet als ein „Museum in Bewegung“ im architektonischen Konzept einer „Stadt in der Stadt“ – engagiert und mitreißend, innovativ und weltoffen. Auch das kuratorische Programm schafft Verbindungslinien an alltägliche und allgemein-menschliche Erfahrungen und wirft Fragen auf nach der Relevanz von Kunst für unser Leben heute.

m:con – mannheim:congress GmbH
115 Mitarbeiter, über 200 erfolgreich durchgeführte Kongresse in den letzten 10 Jahren, nicht nur im Congress Center Rosengarten oder Pfalzbau Ludwigshafen, sondern in über 30 Destinationen Deutschlands, Österreichs und der Schweiz – die m:con hat sich zu einem der gefragtesten Partner bei der Durchführung von Kongressen und Tagungen entwickelt.

Langeweile in den Faschingsferien? Nein, danke. In zwei je zweitägigen Workshops für Kinder und Jugendliche von 8 bis 10 Jahren und zwischen 11 und 14 Jahren bietet die Kunsthalle Mannheim kreative Auszeiten vom Schulalltag an. Im Rahmen der Sonderausstellung „Henri Laurens – Wellentöchter“ und der Sammlungspräsentation lernen Neugierige das Museum von einer neuen Seite kennen.

Am Mittwoch, 06.03. und Donnerstag, 07.03. (10.15–15.15 Uhr) dreht sich im Workshop „Mach‘ mir die Welle!“ für Kinder von 8 bis 10 Jahren alles um die mythischen Wasserwesen in der Frühjahrsausstellung „Henri Laurens – Wellentöchter“. Die Sirenen und Meereskreaturen des französischen Bildhauers liefern dabei die Inspiration zu eigenen Kunstwerken, die anschließend mit Modelliermasse frei und fantasievoll gestaltet werden.

„Kunst gegen Langeweile“ gibt es für kreative Köpfe im Alter von 11 bis 14 Jahren am Freitag, 08.03.2019 und Samstag, 09.03.2019 (10.15–16.15 Uhr) in der Kunsthalle. Dabei steht das Thema „Zeit“ im Fokus: Warum verläuft sie nur in eine Richtung? Wie kurz oder wie lang dauert eigentlich ein Augenblick? Und was genau hat Langeweile mit Zeit zu tun? Die Workshop-Teilnehmenden erforschen gemeinsam das Museum und suchen in Kunstwerken nach der „Zeit“. Anhand verschiedener Techniken und künstlerischer Medien, wie z.B. Video, Fotografie oder Plastik und vielen weiteren überlegen die Jugendlichen, was es mit der Zeit auf sich hat und wie sie in einem Kunstwerk sichtbar werden kann.

Mittwoch, 06.03.2019 und Donnerstag, 07.03.2019, 10.15 bis 15.15 Uhr

Mach' mir die Welle!
Ferienworkshop für Kinder von 8 bis 10 Jahren (zweitägig)
Kosten: 50 € inkl. Material & Eintritt.
Anmeldung über www.abendakademie-mannheim.de

Freitag, 08.03.2019 und Samstag, 09.03.2019, 10.15 bis 16.15 Uhr
Kunst gegen Langeweile
Ferienworkshop für Kinder von 11-14 Jahren (zweitägig)
Kosten: 60 € inkl. Material & Eintritt
Anmeldung über www.abendakademie-mannheim.de

Bildunterschrift:

Kreativ im Museum: Ein Blick ins Bildhaueratelier der Sonderausstellung „Henri Laurens – Wellentöchter“ (01.03. bis 16.06.2019)

Foto: Kunsthalle Mannheim/ Dietrich Bechtel

Kaum ertragen lässt sich das Unrecht, das in dem Dokumentarfilm „A Woman Captured – Eine gefangene Frau“ aufgedeckt wird. Die 52-jährige Marisch muss ein Jahrzehnt lang unter unmenschlichen Bedingungen als Sklavin einer Familie dienen. Im Rahmen der Reihe „Film & Kunst“ der Kunsthalle Mannheim wird die bewegende Dokumentation (HU 2017, 89 Min., OmU) am Donnerstag, 21.02.2019 (19.30 Uhr) im Cinema Quadrat gezeigt.

Zehn Jahre lang muss die Ungarin Marisch einer Familie dienen – bei 20-Stunden-Arbeitstagen und ohne Arbeitslohn. Ihre Unterdrücker konfiszieren ihre Ausweispapiere, Marisch darf das Haus nur mit ausdrücklicher Erlaubnis verlassen. Sie wird behandelt wie ein Tier, erhält nur Essensreste und hat kein Bett zum Schlafen. Zwei Jahre lang begleitet die Regisseurin Bernadett Tuzza-Ritter die Frau, der schließlich der Ausbruch aus der Sklaverei gelingt.

Der Global Slavery Index (Weltweite Erfassung von Sklaverei) aus dem Jahre 2016 schätzt, dass derzeit weltweit 45,8 Millionen Menschen von einer der Ausformungen moderner Sklaverei betroffen sind, davon 1,2 Millionen Männer und Frauen in Europa. Dies beinhaltet Zwangsarbeit und häusliche Knechtschaft ebenso wie Prostitution. Diesen Sachverhalt aufzuzeigen ist ein Teil des Films, der zugleich auch von einer Ermächtigung handelt. Bernadett Tuzza-Ritter zeigt in ihrer Dokumentation eine Frau, die mit ihrer Flucht ein großes Risiko eingeht und der es gelingt, die schrecklichen Dinge, die ihr widerfahren sind, hinter sich zu lassen.

Die aktuelle, 20. „Film & Kunst“- Staffel stellt sich einer besonderen inhaltlichen Herausforderung, denn alle ausgewählten Filme – von September 2018 bis Februar 2019 – stehen im Zeichen der großen Themenausstellung, die ab 12. Oktober in der Kunsthalle zu sehen ist. Unter dem Titel „Konstruktion der Welt: Kunst und Ökonomie“ verdeutlicht diese Themenausstellung erstmals den dramatischen Einfluss der Ökonomie auf die Kunst in einem weltweiten Vergleich und zeigt dies in der Gegenüberstellung zweier Epochen auf. Ökonomische Phänomene in der Klassischen Moderne der 1920/30er Jahre werden mit Fokus auf Deutschland, Russland und die USA reflektiert und künstlerischen Positionen der unmittelbaren Gegenwart gegenübergestellt. Hier ist der Ausgangspunkt für die Werkauswahl natürlich die globale Finanzkrise 2008, die die Wirtschaftssysteme in Amerika und Europa in ihren Grundfesten erschütterte und unsere Gegenwart nachhaltig beeinflusst.

Das Programm der 20. Staffel „Film & Kunst“ ermöglicht mit einer Auswahl von preisgekrönten Dokumentarfilmen einen vertiefenden Blick auf das ökonomische Geschehen unserer Tage und ergänzt die Ausstellung um sehenswerte filmische Positionen. In Einführungsvorträgen wird der jeweilige Bezug der Filme zur Sonderausstellung „Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie“ hergestellt.

in der Reihe „Film & Kunst“:

Donnerstag, 21.02.2019, 19.30 Uhr

A Woman Captured – Eine gefangene Frau

Mit einer Einführung von Dr. Thomas Köllhofer

Ort: Cinema Quadrat (Collini Center, Collini Str. 1, Mannheim)

Kosten: 8 €/ ermäßigt 6 €/ Mitglieder 5 €

Als die Nationalsozialisten 1937 in über einhundert deutschen Museen Kunstwerke der modernen Avantgarde als „Entartete Kunst“ beschlagnahmten, war der Bestand der Kunsthalle Mannheim eine der am stärksten von den Konfiszierungen betroffenen öffentlichen Sammlungen. Ein Großteil der knapp 600 damals aus Mannheim abgezogenen Werke waren dabei graphische Arbeiten. Als Ergänzung der Ausstellung „(Wieder-)Entdecken – Die Kunsthalle 1933 bis 1945 und die Folgen“ widmet sich nun auch die Graphische Sammlung dem Thema und präsentiert Aquarelle, Zeichnungen und Druckgraphiken, die 1937 in der Kunsthalle beschlagnahmt worden waren.

Als Gäste auf Zeit kehren insgesamt 34 Meisterwerke nach Mannheim zurück, die sich heute in der Wiener Albertina, dem Kulturhistorischen Museum Rostock, dem Kölner Museum Ludwig, dem Kunstmuseum Basel und dem Sprengel Museum Hannover befinden. Mit dem Farbholzschnitt „Frau in der Nacht“ von Ernst Ludwig Kirchner wird zudem ein Blatt aus dem sogenannten Kunstfund Schwabing zu sehen sein. Nach dem Tod Cornelius Gurlitts im Mai 2014 erbte das Kunstmuseum Bern den 1919 entstandenen Farbholzschnitt.

Dass die Sammlungen der Kunsthalle Mannheim so überdurchschnittlich von den Enteignungsaktionen unter den Nationalsozialisten betroffen waren, lag paradoxerweise an der innovativen Ausstellungs- und Ankaufspolitik ihrer ersten beiden Direktoren Fritz Wichert und Gustav Hartlaub. Wichert war als Gründungsdirektor der Kunsthalle eingestellt worden, die damals noch keine große Sammlung besaß. Mit großer Weitsicht erwarb er französische Kunst des 19. Jahrhunderts und zeitgenössische Künstler. Mit höchsten Qualitätsansprüchen und Kennerblick kaufte er junge, avantgardistische Expressionisten. Sein Nachfolger Gustav Hartlaub setzte diese Ankaufsstrategie fort und erweiterte sie auf die aktuelle Kunst der Neuen Sachlichkeit. Diese beiden Strömungen waren von den Beschlagnahmungen der Nationalsozialisten am stärksten betroffen.

Insgesamt wurden 471 Graphiken in der Kunsthalle beschlagnahmt, darunter 177 Originalwerke (Aquarelle, Zeichnungen) und 289 Druckgraphiken sowie fünf nicht eindeutig einzuordnende Werke. Über ihr Schicksal nach der Enteignung konnte die Provenienzforschung des Hauses einige wesentliche Informationen recherchieren. So befinden sich nach aktuellem Wissensstand 53 Meisterwerke in renommierten Museen auf der ganzen Welt, darunter neben den bereits genannten u.a. das New Yorker Metropolitan Museum, die Bayerischen Staatsgemäldesammlungen in München und die Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea in Rom.

Mit insgesamt 25 Blättern besitzt das Kulturhistorische Museum in Rostock den größten Bestand an ehemaligen Mannheimer Graphiken. Sie alle stammen aus dem Nachlass des Kunsthändlers Bernhard A. Böhmer, einem der deutschen Kunsthändler, die ab Ende der 1930er Jahre Zugriff auf die beschlagnahmten Werke aus deutschen Museen hatten. Während einige Blätter sich heute in Privatbesitz nachweisen lassen, ist von insgesamt 156 Arbeiten anzunehmen, dass sie von den Nationalsozialisten nach ihrer Beschlagnahmung zerstört wurden. Bei 234 Werken ist der aktuelle Verbleib unbekannt. Nur 19 befinden sich heute wieder im Bestand der Kunsthalle.

Bekannt ist darüber hinaus, dass vor allem die Druckgraphiken über Hildebrand Gurlitt und Bernhard A. Böhmer gehandelt wurden. So gingen nachweislich weit über 100 Graphiken durch die Hände der beiden Kunsthändler. Zum Bestand Gurlitt gehören auch jene fünf ehemaligen Mannheimer Graphiken, die sich seit 2014 im Kunstmuseum Bern befinden und aus dem Schwabinger Kunstfund stammen.

Die 34 Aquarelle, Zeichnungen und Druckgraphiken, die jetzt temporär in die Kunsthalle zurückkehren, besitzen nicht nur eine bewegte Vergangenheit. An ihnen zeigt sich auch exemplarisch, mit welchem Qualitätsanspruch Fritz Wichert und Gustav Friedrich Hartlaub die Mannheimer Moderne-Sammlung einst zusammentrugen. Oftmals direkt vom jeweiligen Künstler erworben, kamen Graphiken in den Bestand, die heute Spitzenwerke in internationalen Museen darstellen.

Die Kunsthalle Mannheim präsentiert diese Meisterwerke vom 22. März bis 23. Juni 2019 unter dem Titel „Beschlagnahmt! Rückkehr der Meisterblätter“ in der Graphischen Sammlung.

Beschlagnahmt! Rückkehr der Meisterblätter
22. März bis 23. Juni 2019
Eröffnung: 21. März 2019, 19 Uhr
Kuratoren: Dr. Thomas Köllhofer, Dr. Mathias Listl

Inspiriert von zufälligen Begegnungen erschafft Abraham Cruzvillegas spontane Skulpturen und Installationen – und das mitten im öffentlichen Raum von Mannheim. Im Kontext der Ausstellung „Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie“ in der Kunsthalle Mannheim findet die Performance des mexikanischen Künstlers am Samstag, 16.02.2019, von 10 bis 17 Uhr statt. Unter dem Titel „Untitled Non-Productive Activities” wird Cruzvillegas mit Materialien vor Ort und den Besucher*innen Themen wie Re- und Upcycling, Ineffizienz und Solidarität improvisierend erschließen. Die Aktion des Künstlers wird auf Video aufgezeichnet und anschließend in der App der Kunsthalle gezeigt werden.

Auch am Sonntag, 17.02.2019 (14.30 Uhr) widmet sich Abraham Cruzvillegas Fragen nach Ressourcen, Nachhaltigkeit und Vergänglichkeit im Rahmen der TOR 4-Gesprächsreihe. Gemeinsam mit Thorsten Pinkepank, Director Sustainability Relations der BASF, wird der Künstler bei einem Rundgang durch die Sonderausstellung diese Themen erörtern.

In der aktuellen Ausstellung „Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie“ sind Cruzvillegas‘ Skulpturen aus der Serie der „Autokonßtrukschön Suites“ zu sehen, die extra für die Kunsthalle aus Mannheimer Fundstücken konstruiert wurden. Durch seine Methoden des Upcycling erschafft Cruzvillegas Skulpturen und Installationen von überraschender Materialvielfalt und Stabilität.

Inspiriert wurde Abraham Cruzvillegas vom Hausbau an den Rändern der immer größer werdenden Metropole Mexiko-Stadt und seiner Herkunft aus dem Stadtteil Ajusco, mit der Konstruktion improvisierter Lebensverhältnisse und dem Umgang mit Ressourcen.

Samstag, 16.02.2019, 10 bis 17 Uhr

Stadtforschung

Kooperation mit Abraham Cruzvillegas, Volume V

Ort: Treffpunkt 10:00 am MASH (Container vor der Kunsthalle Mannheim am Friedrichsplatz)

Kosten: Freier Eintritt in das MASH

Sonntag, 17.02.2019, 14.30 Uhr

Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie

Tor 4: Warum wird eigentlich alles besser? Gespräche zwischen BASF-Expert*innen und Künstler*innen

Der Künstler Abraham Cruzvillegas im Gespräch mit Thorsten Pinkepank, Director Sustainability Relations der BASF

Kosten: 4 € zzgl. Eintritt

Im Rahmen der großen Sonderausstellung:

Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie – 2008-2018

Teil 2: bis 03. März 2019

Kuratorenteam: Dr. Eckhart Gillen, Dr. Ulrike Lorenz, Dr. Sebastian Baden

Die Ausstellung wird gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes (Hauptförderer), BASF SE (Hauptsponsor), H.W. & J. Hector Stiftung, Ernst von Siemens Kunststiftung, Stiftung Kunsthalle Mannheim, VR Bank Rhein-Neckar eG, Innovationsfonds Kunst des Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg. Medienpartner der Ausstellung ist das Handelsblatt.

Die Ausstellung steht unter der Schirmherrschaft von Bundespräsident Frank-Walter Steinmeier.

Diese Woche ist die letzte Gelegenheit, Teil 1 der großen Themenaus-stellung „Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie“ zu besuchen, der sich den Jahren 1919 bis 1939 widmet. Mit über 240 Leihgaben aus aller Welt von über 130 Künstlern der Klassischen Moderne und der Gegenwart verdeutlicht die Sonderschau erstmals den dramatischen Einfluss der Ökonomie auf die Kunst in einem weltweiten Vergleich.

Ausgehend von der Neuen Sachlichkeit, die in der Kunsthalle Mannheim 1925 ihren Namen erhalten hat, wird eine ähnliche Wiederentdeckung der zeitgenössischen Wirklichkeit, die Hinwendung zu Gegenstand und Gegenwart in der sozialistischen Sowjetunion und in den USA betrachtet und erstmals ein Vergleich der Kunst dieser drei Länder gezogen. Als roter Faden dient die Frage: Wie beeinflusst das ökonomische Sein das künstlerische Bewusstsein und Handeln? Während der erste Teil auf die Zeit zwischen den Weltkriegen (1919–1939) fokussiert, befasst sich der zweite mit der Gegenwart (2008–2018), die von Globalisierung und Digitalisierung geprägt ist.

Seit ihrer Eröffnung am 11.10.2018 haben 70.750 Interessierte die Themenausstellung „Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie“ in der Kunsthalle Mannheim besucht (Stand: 28.01.2019). Aufgrund der großen Nachfrage wird Teil 2 der Ausstellung, der die Jahre 2008 bis 2018 ins Visier nimmt, um einen Monat verlängert. Teil 1 endet am Sonntag, 03.02.2019 um 18 Uhr.


Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie –
1919-1939 und 2008-2018

Teil 1: bis 03. Februar 2019

Teil 2: verlängert bis 03. März 2019

Kuratorenteam: Dr. Eckhart Gillen (Berlin), Dr. Ulrike Lorenz, Dr. Sebastian Baden

Die Ausstellung steht unter der Schirmherrschaft von Bundespräsident Frank-Walter Steinmeier.

Die Ausstellung wird gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes (Hauptförderer), BASF SE (Hauptsponsor), H.W. & J. Hector Stiftung, Ernst von Siemens Kunststiftung, Stiftung Kunsthalle Mannheim, VR Bank Rhein-Neckar eG, Innovationsfonds Kunst des Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg. Medienpartner der Ausstellung ist das Handelsblatt.


Veranstaltungstipp im Rahmenprogramm der Ausstellung:

31.01. & 01.02.2019

Symposium: „Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie“

Donnerstag, 31.01.2019: ab 10.30 Uhr: Anmeldung und Gelegenheit zum Ausstellungsrundgang, ab 13 Uhr: Programm

Freitag, 01.02.2019: ab 9 Uhr

Das Thema ist aktueller denn je: Wie beeinflusst die Wirtschaft die Kunst? Das Symposium vertieft die im historischen und im zeitgenössischen Teil der Ausstellung entwickelten Fragen, um die Forschung zur Zusammenwirkung von Kunst und Wirtschaft um neue Perspektiven zu erweitern. Mit Beiträgen von Thomas Flierl, Sergej Fofanov, Xavier Fourt, Eckhart Gillen, Christian Saehrendt, Berit Sandberg, Stefan Scherer, Franz Schultheis,

Infos unter https://www.kuma.art/de/konstruktion-der-welt-kunst-und-oekonomie. Der Eintritt zum Symposium ist frei. Reservierungen: https://shop.kuma.art/#/product/event/122?date=2019-01-31&date_id=1218“

Der Hector Preis-Träger 2019 heißt Hiwa K. In einem dreistufigen Wahlvorgang hat die Jury den Preisträger am Dienstag, 22.01.2019 aus einer Auswahl von 14 nominierten Künstler*innen und Kunstkollektiven einstimmig gewählt. Der aus Sulaimaniyya im kurdischen Teil des Irak stammende Künstler (Jahrgang 1975) lebt seit mehr als 20 Jahren in Deutschland und hat mit seinem umfangreichen Werk einen elementaren Beitrag zum interkulturellen Verständnis zwischen der arabischen, kurdischen und europäischen Lebenswelt geleistet.

Das intermediale, skulpturale und oft in Videoinstallationen gezeigte Werk von Hiwa K besticht durch seine formale, erzählerische und anthropologische Qualität. Seine vielschichtigen, emotional aufgeladenen und politisch spannungsreichen Arbeiten (u.a. auf der documenta14 in Kassel zu sehen) greifen auf eigene, existentielle Erfahrungen zurück und beziehen sich auf Menschen und Objekte, die dem Künstler dabei begegnet sind. Der weite thematische Horizont seiner Kunst erfasst die jüngste Zeitgeschichte mit den kriegerischen Konflikten um seine Heimat Kurdistan ebenso wie die Verstrickung von Politik und Kunst in der Neuzeit in Italien oder die postkoloniale Beschäftigung mit der Beziehung zwischen Europa und Lateinamerika. Auf der Biennale von Venedig 2015 präsentierte der Installationskünstler z.B. eine Glocke aus militärischen Abfallprodukten des Iran-Irak-Krieges (1980–1988) und der beiden Golfkriege (1991, 2003).

„Hiwa K, der als Kurde aus dem Irak fliehen musste, beschäftigt sich in seinem Werk mit den großen Herausforderungen unserer Zeit: Migration, Fragen der Zugehörigkeit und dem Thema Nationalismus. Ausgehend von seiner eigenen Geschichte gelingt es ihm, diese komplexen Fragen sowohl konzeptionell wie auch formal überzeugend umzusetzen und Werke von tiefer Menschlichkeit zu schaffen“, erläutert die Jury ihr Urteil. „Darüber hinaus bestechen die künstlerischen Strategien von Hiwi K durch präzise Analysen global-gesellschaftlicher Verhältnisse und durch ihre umfassende Gültigkeit: Individuelle Erfahrungswerte finden ebenso Eingang in seine Kunst wie allgemein gültige Aussagen über Macht und deren Ausübung.“

Dr. Ulrike Lorenz, Direktorin der Kunsthalle Mannheim, freut sich über die einstimmige Jury-Entscheidung: „Das Werk von Hiwa K reiht sich ein in die Sammlung der Kunsthalle Mannheim, die seit ihrer Gründung Anfang des 20. Jahrhunderts um existenzielle Fragen kreist. Darüber hinaus bezieht Hiwa K in seiner Kunst Stellung und mischt sich ein in aktuelle gesellschaftliche Debatten – um Krieg, Ausgrenzung, Macht, Flucht, Identität und Herkunft. Diese Art der Auseinandersetzung suchen wir mit unserer neuen Kunsthalle, die sich einmischen und in die Gesellschaft hinein wirken will.“

Seit 1997 vergeben die Kunsthalle Mannheim und die H.W. & J. Hector-Stiftung im dreijährigen Rhythmus den Hector Kunstpreis für zeitgenössische Kunst in Deutschland. Die Auszeichnung fördert Künstler, die in Deutschland leben, zwischen 35 und 50 Jahre alt sind und im dreidimensionalen Bereich der Bildhauerei, Objektkunst, Raum- und Multimediainstallation arbeiten. Damit unterstreicht der Hector Preis den Mannheimer Sammlungsschwerpunkt Skulptur. Er ist mit 20.000 € dotiert und mit einer Ausstellung in der Kunsthalle sowie begleitender Publikation verbunden. Unter den bisherigen Preisträgern waren Alicja Kwade, Nairy Baghramian, Tobias Rehberger, Florian Slotawa und Gunda Förster.

Die Jury 2019 setzte sich zusammen aus:

• Antonia Alampi, Artistic Co-Director, SAVVY Contemporary – The Laboratory of Form-Ideas, Berlin
• Dr. Sebastian Baden, Kurator zeitgenössische Kunst, Kunsthalle Mannheim
• Dr. Andreas Beitin, Direktor, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen
• John Feldmann, Mitglied im Kuratorium der H.W. & J. Hector Stiftung II
• Krist Gruijthuijsen, Direktor, KW Institute for Contemporary Art, Berlin
• Dr. Thomas Köllhofer, Kurator Graphische Sammlung, Kunsthalle Mannheim
• Mirjam Varadinis, Kuratorin, Kunsthaus Zürich.

Für den Hector-Preis 2019 nominiert waren neben Hiwa K:

• Julius von Bismarck, D, *1983, Berlin
• Simon Denny, NZ, *1982, Berlin
• Jason Dodge, USA, *1969, Berlin
• FORT (Alberta Niemann, D, *1982, & Jenny Kropp, D, *1978), Berlin
• Simon Fujiwara, GB, *1982, Berlin
• Judith Hopf, D, *1969, Berlin
• Sofia Hultén, SWE, *1972, Berlin
• Anne Duk Hee Jordan, KOR, *1978, Berlin
• Veit Laurent Kurz, D, *1985, Berlin/ Frankfurt
• Michaela Meise, D, *1976, Berlin
• Peles Empire (Katharina Stöver, D, *1982, & Barbara Wolff, ROU, *1980), Berlin
• Yorgos Sapountzis, GR, *1976, Berlin
• Viron Erol Vert, D, *1975, Berlin und Istanbul

Die Werke von Hiwa K werden vom 05. Juli bis 01. September 2019 im Rahmen des Hector Preises 2019 in der Kunsthalle Mannheim präsentiert, kuratiert von Dr. Sebastian Baden.

Gefördert durch die H.W. & J. Hector Stiftung.

In der Reihe „Film & Kunst“ gewährt der Film „Master of the Universe“ am 24.01.2019 Einblicke in die Welt der Banken und Finanzbörsen

Büro-Räume in einem Frankfurter Hochhaus, der Blick aus einer Chef-Etage: Wer hierbei direkt an Banker, Börsenhändler und die schillernde Welt der Finanzen denkt, liegt nicht ganz falsch. Aber eben auch nicht ganz richtig. Die Dokumentation „Master of the Universe“ gewährt am Donnerstag, 24.01.2019 (19.30 Uhr) in der Reihe „Film & Kunst“ – eine Kooperation von Kunsthalle Mannheim und Cinema Quadrat – interessante Einblicke in den Finanzsektor. Der ehemalige Investmentbanker Rainer Voss berichtet aus der Insider-Perspektive über die Realitäten dieser Parallelwelt.

Blicke in leere Büro-Räume eines verlassenen Bankgebäudes; das Auf und Ab eines Aufzuges wird von der Kamera verfolgt. Aus dem Fenster der ehemaligen Chef-Etage blickt man nach „ganz oben“. Die Bilder des Dokumentarfilms (D 2013, 90 Min.) ziehen unaufgeregt und dennoch eindrücklich vorüber: Dramatisch hingegen erscheinen die Ausführungen des Insiders Rainer Voss. Er jonglierte in seiner aktiven Zeit als Banker mit Millionen und berichtet nun präzise aus eigener Erfahrung, wie es in der Finanzwelt zugeht – mit all ihren Abgründen, Skrupellosigkeiten und quasi-religiösen Gesetzmäßigkeiten. Vor allem macht Voss deutlich, welche Macht in den Händen der einzelnen Player dieser abgeschotteten Welt liegt, deren Gewinnstreben und Zocker-Mentalität die Wirtschaftssysteme ganzer Länder taumeln lassen. Regisseur Marc Bauder wirft mit seinem Film Fragen auf – Fragen nach Auflagen, nach Einsichten und Veränderungen im globalen Finanzgeschehen.

Die aktuelle Staffel „Film & Kunst“ stellt sich einer besonderen inhaltlichen Herausforderung, denn alle ausgewählten Filme – von September 2018 bis Februar 2019 – stehen im Zeichen der Themenausstellung „Konstruktion der Welt: Kunst und Ökonomie“. Die große Sonderschau thematisiert erstmals den dramatischen Einfluss der Ökonomie auf die Kunst in einem weltweiten Vergleich und zeigt dies anhand zweier Epochen auf. Ökonomische Phänomene in der Klassischen Moderne der 1920/30er Jahre werden mit Fokus auf Deutschland, Russland und die USA reflektiert und künstlerischen Positionen der unmittelbaren Gegenwart gegenübergestellt. Hier ist der Ausgangspunkt für die Werkauswahl die globale Finanzkrise 2008, die die Wirtschaftssysteme in Amerika und Europa in ihren Grundfesten erschütterte und unsere Gegenwart nachhaltig beeinflusst.

Das Programm der 20. Staffel „Film & Kunst“ ermöglicht mit einer Auswahl von preisgekrönten Dokumentarfilmen einen vertiefenden Blick auf das ökonomische Geschehen unserer Tage und ergänzt die Ausstellung um sehenswerte filmische Positionen. In Einführungsvorträgen wird der jeweilige Bezug der Filme zur Sonderausstellung „Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie“ hergestellt.

In der Reihe „Film & Kunst“:

Master of the Universe

(D 2013, Regie: Marc Bauder, 90 Minuten, Dokumentarfilm)

Donnerstag, 24.01.2019, 19.30 Uhr

Ort: Cinema Quadrat

Kosten: 8 €/ erm. 6 €/ Mitglieder Förderkreis für die Kunsthalle Mannheim bzw. Cinema Quadrat 5 €

Mit einer Einführung von Dr. Dorothee Höfert

Aufgrund der großen Nachfrage wird nun Teil 2 der Ausstellung, der sich den Jahren 2008 bis 2018 widmet, um einen Monat verlängert.

Die Sonderschau verdeutlicht erstmals den dramatischen Einfluss der Ökonomie auf die Kunst in einem weltweiten Vergleich: Während der erste Teil auf die Zeit zwischen den Weltkriegen (1919–1939) fokussiert, befasst sich der zweite mit der Gegenwart (2008–2018), die von Globalisierung und Digitalisierung geprägt ist. Dieses Ausstellungskapitel rückt den rasanten Wandel in den ökonomischen und politischen Verhältnissen heute in den Fokus. Der Umbruch der Industriegesellschaft in eine international vernetzte Informations- und Dienstleistungsgesellschaft, Migration und Big Data, neue Formen der Wertschöpfung und des Arbeitsmarkts – all dies verändert unser Leben.

„Der zeitgenössische Teil gibt ein Feedback auf die Beobachtungen der historischen Werke der Ausstellung. Heute haben sich die Arbeits- und Lebensbedingungen extrem verändert. Die Kunst macht diese spannende Entwicklung sichtbar und zwei entscheidende Epochen vergleichbar“, sagt Dr. Sebastian Baden, der das zweite Ausstellungskapitel kuratiert hat, das sich der unmittelbaren Gegenwart zuwendet. „Die Konzentration liegt auf der aktuellen Wechselwirkung von Kunst und Ökonomie: Wo werden neue Potenziale frei, wo kommt es zu Konflikten – und wie können wir unsere Reaktion darauf kontrollieren? Die Verlängerung des zweiten Teils der Ausstellung gibt weiteren Besuchern die Chance, sich auf eine herausfordernde Thematik einzulassen.“

30 Künstler*innen aus 19 Ländern beobachten die Grundbedingungen der menschlichen Existenz nach dem Zusammenbruch des Antagonismus zwischen Kapitalismus und Sozialismus 1989. Dabei wird die künstlerische Arbeit selbst zu einem Medium, das zur Reflektion über die postindustrielle Revolution im frühen 21. Jahrhundert anregt. Ortsbezogene Installationen, Skulpturen, Filme, Fotografien, aber auch Performances, soziale Aktionen im Stadtraum von Mannheim und Diskussionsforen mit Kooperationspartnern wie der BASF erhellen spezifische Themen, z.B. Ressourcenverteilung und Konsumverhalten, Finanzmarkt und Überwachungsstaat, Widerstand gegen Ausbeutung und alternative Wirtschaftsformen.

Mit Arbeiten von Dario Azzellini, Maja Bajevic, Bureau d’Etudes, BBM, Chto Delat?, Claire Fontaine, Jacques Coetzer, Abraham Cruzvillegas, Szilárd Cseke, Jeremy Deller, Simon Denny, Tatjana Doll, Antje Ehmann, Harun Farocki, Thierry Geoffroy, Andreas Gursky, Thomas Hirschhorn, Olaf Holzapfel, Sanja Iveković, Alicja Kwade, Charles Lim Yi Yong, Maha Maamoun, José Antonio Vega Macotela, Tobias Rehberger, Oliver Ressler, Mika Rottenberg, Superflex, Zefrey Throwell, Volume V, Maya Zack sowie Artur Żmijewski.

Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie –
1919-1939 und 2008-2018

Teil 1: bis 03. Februar 2019

Teil 2: verlängert bis 03. März 2019

Die Ausstellung wird gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes (Hauptförderer), BASF SE (Hauptsponsor), H.W. & J. Hector Stiftung, Ernst von Siemens Kunststiftung, Stiftung Kunsthalle Mannheim, VR Bank Rhein-Neckar eG, Innovationsfonds Kunst des Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg. Medienpartner der Ausstellung ist das Handelsblatt.

Die Ausstellung steht unter der Schirmherrschaft von Bundespräsident Frank-Walter Steinmeier.

2019 ist es 150 Jahre her, dass der französische Maler, Graphiker und Bildhauer Henri Matisse (1869–1954) geboren wurde. Matisse hat die Kunst des 20. Jahrhunderts nachhaltig geprägt – in seinem Heimatland, aber auch international. Matisse setzte neue Maßstäbe und verblüffte durch unkonventionelle Malerei. Schon um 1905/06 ließen sich zahlreiche Künstler der Avantgarde von seiner farbtrunkenen, expressiven Malerei inspirieren, allen voran André Derain, der mit jugendlichem Ungestüm auch umgekehrt auf Matisse Einfluss ausübte.

In der großen Herbst-Ausstellung „Inspiration Matisse“ zeigt die Kunsthalle Mannheim mit gut 100 ausgewählten Gemälden, Plastiken und graphischen Arbeiten die eindrucksvolle Entwicklung von Matisse als „Künstler für Künstler“. Gleichzeitig spürt die Schau seinen Anregungen im Werk geistesverwandter Zeitgenossen in drei zentralen kunsthistorischen Feldern nach: im französischen Fauvismus, dem deutschen Expressionismus sowie unter den deutschen Schülerinnen und Schülern der Académie Matisse. Ausgehend vom zentralen Thema der Figur und des Aktes im Raum, weitet sich der Blick auf Landschaftsbilder und mediterrane Szenerien bis zu Porträt und Stillleben.

Neben Matisse präsentiert die Mannheimer Ausstellung zentrale Werke von André Derain, Georges Braque, Charles Camoin, Kees van Dongen, Raoul Dufy, Henri Manguin oder Albert Marquet ebenso wie von Ernst Ludwig Kirchner, Alexej von Jawlensky, August Macke, Gabriele Münter und Max Pechstein und schließlich von Rudolf Levy, Oskar und Margarete Moll, Hans Purrmann und Mathilde Vollmoeller. Die kostbaren Leihgaben aus Museen und privaten Sammlungen reisen an aus Belgien, Dänemark, Frankreich, Großbritannien, den Niederlanden, Norwegen, Schweden, der Schweiz, Spanien und den USA. Die verschiedenen künstlerischen Positionen treten in einen offenen Dialog und ermöglichen neue Perspektiven. Dabei geht es nicht darum, vermeintliche oder tatsächliche Einflüsse und Abhängigkeiten zu suggerieren, sondern motivische und malerische Affinitäten in der Ästhetik aufzuzeigen und die Betrachter zur eigenen Anschauung anzuregen. Es wird deutlich, dass Matisse formal wie inhaltlich neue Wege wies und zugleich wie ein Katalysator für jeweils individuelle künstlerische Befreiungen wirkte.

Mit dem Aufkommen von Kubismus und Futurismus wurde aus dem „Künstler für Künstler“ ein „Klassiker der Moderne“. Matisse entwickelte nach 1911 sein Œuvre als einen individuellen Beitrag zur Moderne weiter. Mit einem kompromisslosen Interesse an Verdichtung erreicht er die für ihn typische sinnbild- und zeichenhafte Reduktion seiner Formensprache. Als Maler und Bildhauer erforschte er die Grenzen zur Abstraktion. Die Ausstellung schließt mit den vier lebensgroßen Rückenakten in Bronze, die ihn zwei Jahrzehnte beschäftigten. Sie gelten als ein Höhepunkt des Werks von Henri Matisse.

Große Sonderausstellung:

Inspiration Matisse

27. September 2019 bis 19. Januar 2020

Eröffnung: 26. September 2019, 19 Uhr

Kuratoren: Dr. Peter Kropmanns (Paris), Dr. Ulrike Lorenz

Überwiegend positive Pressestimmen und ein begeistertes Publikum: 46.200 Besucher*innen (Stand 10.12.2018) haben nach der Hälfte der Laufzeit die große Sonderausstellung „Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie – 1918–1938 und 2008–2018“ seit ihrer Eröffnung am 11.10.2018 gesehen und beweisen, dass das Thema aktueller denn je ist: Wie beeinflusst die Wirtschaft die Kunst? Anlässlich der Ausstellung lädt die Kunsthalle Mannheim am 31.01. und 01.02.2019 zum gleichnamigen Symposium ein. Die Tagung vertieft die im historischen und im zeitgenössischen Teil der Ausstellung entwickelten Fragen, um die Forschung zur Zusammenwirkung von Kunst und Wirtschaft um neue Perspektiven zu erweitern.

In Bezug auf den historischen Teil der Ausstellung (1919-1939) folgt das Symposium den visuellen Spuren in den USA, der Sowjetunion und der Weimarer Republik, welche die Inflation, die relative Stabilisierung und die Weltwirtschaftskrise zwischen den Kriegen in den Bildenden Künsten hinterlassen haben. Nach dem Ersten Weltkrieg bestimmte ein großes Bedürfnis nach Ordnung und Stabilität die öffentliche Meinung aller drei Länder. In den Künsten fand dieses Bedürfnis ihren Ausdruck in Formen der Sachlichkeit und in einer Orientierung an positiven Tatsachen. In der Folge der Weltwirtschaftskrise um 1929 wird in allen drei Ländern eine weitere tiefe Zäsur spürbar: Eine Orientierung weg von der technikbegeisterten, sachlichen, stromlinienförmigen Kunst, hin zu einer neuen Heimatkunst, welche die harten Kontraste des modernen Lebens weichzeichnete. Der Glaube an das System eines vom Staat nicht regulierten Kapitalismus, der sich selbst und den heilenden Kräften des Marktes überlassen werden kann, schmolz dahin.

Wie reflektieren zeitgenössische Künstler die heutige Arbeitswelt und welche Rolle spielen Kunst und Künstler*innen für das Bild der (neuen) Ökonomie und für den Wert der Arbeit? Diesen Fragen geht der zeitgenössische Teil der Ausstellung (2008–2018) nach. Dabei stehen vor allem künstlerische Positionen im Zentrum, welche die gesellschaftlichen, politischen und ökonomischen Auswirkungen der jüngsten Wirtschaftskrise nach 2008 aufgreifen. Veränderte Produktionsbedingungen, neue Entwicklungen auf dem Arbeitsmarkt und politische Konflikte werden in den Werken problematisiert.

Im Rahmen des Symposiums erläutert u.a. der Kunsthistoriker und Kurator Sergey Fonfanov unter dem Titel „Überwindung von Hoffnung und Enttäuschung“ das neue Konzept der Tretjakow Galerie Moskau für die Neupräsentation der dortigen ständigen Sammlung. Der Soziologe Franz Schultheis hält einen Vortrag über „Ökonomie der Kunst. Der Handel mit unhandelbaren Gütern?“. Er beschreibt die ungeschriebenen Regeln der Kunstwelt beim Vermarkten der Kunstwerke und versucht, die kollektive „Illusio“ transparent zu machen. „Neue Perspektiven auf Künstler*innen in Unternehmen“ wirft Prof. Dr. Berit Sandberg, Professorin für Public und Non-Profit-Management“. Mit Ausstellungsrundgängen und Laboren sowie Beiträgen von u.a. Maja Bajevic, Iris Dressler, Thomas Flierl und Mannheimer Expert*innen aus der Wirtschaft.

ProgrammPlus:

Symposium „Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie“

Donnerstag, 31.01.19, ab 10:30 Uhr: Anmeldung und Gelegenheit zum Ausstellungsrundgang; Programm 13–20 Uhr und Freitag, 01.02.19, Programm: 9–13:30 Uhr 

Ort: Kunsthalle Mannheim, Auditorium

Teilnahmegebühr: 80 €, ermäßigt 50 €

Weitere Infos ab dem 20.12. unter www.kuma.art.

Bubikopf, Bauhaus und Federboa: Die 1920er Jahre erleben aktuell ein kulturelles Revival – mit spannenden Serien, süffigen Romanen und facettenreichen Ausstellungen. Überraschende Parallelen zur Gegenwart machen die „Goldenen Zwanziger“ relevanter denn je. Am Mittwoch, 12.12.2018 (um 19 Uhr), widmet sich Theresia Enzensberger im „Labor für Weitsicht“ der Kunsthalle Mannheim diesem vielseitigen Thema. Die Autorin und Journalistin liest aus ihrem Debüt „Blaupause“ und berichtet im Anschluss über ihre Recherchen zu den kulturellen, gesellschaftlichen und politischen Entwicklungen im Deutschland dieser ereignisreichen Jahre Anfang des 20. Jahrhunderts.

In „Blaupause“ kommt die architekturbegeisterte Luise Schilling ans Bauhaus in Weimar, wo sie sich in ganz unterschiedlichen sozialen Kreisen bewegt und mit Vorurteilen sowie Sexismus zu kämpfen hat. In einem Durcheinander von Weltanschauungen lernt sie Utopien kennen, die bis heute prägend sind. Allen Schwierigkeiten und Enttäuschungen zum Trotz hält die Studentin an ihrem Wunsch fest: Sie will Architektin werden.

Das Frauenbild wandelt sich in den 1920er Jahren: Ehrgeizige und mutige Frauen erobern für sie bisher ungewöhnliche Branchen. Die Protagonistin Luise in Enzensbergers Roman kämpft um ihren Platz in der Welt der Architektur. In der Sonderausstellung „Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie“ treffen die Besucher ebenfalls auf eine Architektin. Dargestellt wurde sie von Nikolai Sagrekow als „Mädchen mit Reißschiene“ 1929 in einem Ölgemälde. Mit entschlossenem Blick und selbstbewusster Haltung scheint sie bereit, die Welt zu verändern.

Die Autorin Theresia Enzensberger wurde 1986 in München geboren und lebt in Berlin. Sie studierte Film und Filmwissenschaft am Bard College in New York und schreibt als freie Journalistin unter anderem für die FAZ, FAS, ZEIT Online, Krautreporter und Monopol. 2014 gründete sie das vielfach preisgekrönte BLOCK Magazin. Mit „Blaupause” veröffentlichte die Autorin 2017 ihren Debüt-Roman.

ProgrammPlus: Unter dem Motto „Kunst für alle“ schuf Fritz Wichert 1911 mit der „Akademie für Jedermann“ und dem „Freien Bund zur Einbürgerung der bildenden Kunst in Mannheim“ ein innovatives Kommunikations- und Bildungsangebot für die Mannheimer Stadtgesellschaft. Mit ihrem ProgrammPlus greift die Kunsthalle Mannheim dieses Gründungsmotto auf, um in inspirierender Atmosphäre durch Kunst einen neuen Zugang zu unserer Gegenwart zu eröffnen: Kunst wird relevant für unseren Alltag und das eigene Leben.

Im „Labor für Weitsicht“ greift die Kunsthalle zeitgenössische Themen auf. Auf dem Programm stehen aktuelle Debatten in Kultur und Gesellschaft, aber auch Fragen zu Kontexten der Sammlung und Ausstellungen.

ProgrammPlus – Labor für Weitsicht
Mittwoch, 12.12.2018, 19 Uhr
Labor für Weitsicht:
Lesung & Gespräch mit Theresia Enzensberger, Autorin des Romans „Blaupause“
Kosten: 5 € zzgl. Eintritt
Ort: Kunsthalle Mannheim, Auditorium

Sie winden sich nach links und rechts, kräuseln sich wie Wogen im Meer, recken ihre Köpfe nach oben und legen ihren Fischschwanz lässig vor sich ab. Weibliche Wasserwesen bevölkern das skulpturale Werk von Henri Laurens (1885–1954). Ihm widmet die Kunsthalle Mannheim die große Frühjahrsausstellung „Henri Laurens – Wellentöchter“ (01.03. – 16.06.19). Mit der Hommage an den bedeutendsten französischen Bildhauer der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts rückt die Kunsthalle gleichzeitig ihren deutschlandweit gerühmten Skulpturenschwerpunkt in den Fokus.

Henri Laurens gehörte zum Kreis der Kubisten um Georges Braque und Pablo Picasso. Zunächst als Steinmetz und Dekorbildhauer ausgebildet, schuf der häufig als zurückhaltend und bescheiden beschriebene Pariser Künstler ein ebenso opulentes wie vielgestaltiges Oeuvre, dessen besonderer Charakter im Fokus der monografischen Ausstellung steht. Die Mannheimer Werkschau umfasst rund 60 Skulpturen aus allen Schaffensphasen Henri Laurens‘, die im Dialog miteinander in den drei großzügigen Sonderausstellungsräumen im Neubau präsentiert werden. Ergänzt werden sie durch zirka 50 Druckgrafiken, Zeichnungen und Künstlerbücher des Plastikers, die als wegweisende und stete Begleiter seines bildhauerischen Schaffens interessante Einblicke gewähren.

Die Ausstellung legt den Fokus auf Laurens‘ reifes Werk, dessen figurative Gestalten ab 1932 an Fülle und Volumen gewinnen. Sie sind charakterisiert durch fließende Linienführung und erstaunliche Raumpräsenz. Der Ausstellungstitel „Wellentöchter“ verweist auf Laurens‘ inhaltliche Neigung zum Sujet der Meereswesen und charakterisiert gleichzeitig seine innovative Position auf dem Weg zur abstrahierten Naturinterpretation in der Skulptur. Um die Mannheimer Bronze „Sirene“ (1945) versammeln sich ausgewählte, teils großformatige Skulpturen wie die „Undinen“, „Die Welle“ und „Sirenengruppe“, die ebenfalls dieser Werkreihe entstammen.

Der üppigen Formenvielfalt des reifen Werks steht das geometrisch anmutende und streng konstruierte Frühwerk gegenüber: Inspiriert durch den Kontakt zur Pariser Avantgarde und zum Kubismus überträgt Laurens die gewonnen Erkenntnisse der Malerei auf die Plastik und analysiert ihre Wechselwirkung mit dem umgebenden Raum. So bekannte er: „Die Skulptur atmet und braucht Luft zum Atmen. Der Raum, der sie umgibt, gehört ihr.“ Das kostbare Mannheimer Frühwerk „Frau mit Fächer“ wird begleitet von diversen Figurendarstellungen und Stillleben, u.a. von einer seiner frühesten Kreationen, der fragilen Holzkonstruktion „Der Clown“.

Die Schau „Henri Laurens – Wellentöchter“ bildet den Auftakt des Ausstellungsjahres 2019, das ganz im Zeichen der französischen Moderne steht und mit der Herbstausstellung „Inspiration Matisse“ (27.09.2019 – 19.01.2020) einen Höhepunkt feiert. Mit dem Frankreich-Schwerpunkt 2019 knüpft die Kunsthalle Mannheim bewusst an ihre Wurzeln an und reflektiert ihre historisch gewachsene Sammlung. Die geistige Nähe zu Frankreich prägt das Kunstmuseum seit seiner Gründung. Das bedeutendste Werk der Sammlung ist Edouard Manets „Erschießung Kaiser Maximilians von Mexiko“ (1868-69), welches bereits 1910 vom damaligen Direktor Fritz Wichert erworben wurde. Seit den 1950er Jahren wurde der Sammlungsschwerpunkt der Französischen Plastik des 20. Jahrhunderts stetig ausgebaut. Die „Sirene“ und „Frau mit Fächer“ sind zwei Herzstücke der umfangreichen Skulpturensammlung und gleichzeitig herausragende Hauptwerke aus verschiedenen Schaffensphasen von Henri Laurens.

Die Ausstellung entsteht in Kooperation mit dem Gerhard-Marcks-Haus, Bremen. Der Katalog erscheint im Dezember im Wienand Verlag – mit Beiträgen von Arie Hartog, Elisabeth Lebon, Christa Lichtenstern, Anne-Sophie Pieper und Veronika Wiegartz (146 S., 130 farbige Abb., gebunden, deutsch / englisch, Buchhandel: 29,80 €, ISBN 978-3-86832-483-9).

Die Ausstellung in Mannheim wird gefördert durch die H.W. & J. Hector Stiftung.

Henri Laurens – Wellentöchter

01. März 2019 bis 16. Juni 2019

Eröffnung: 28. Februar 2019, 19 Uhr

Kuratorin: Dr. Ulrike Lorenz in Kooperation mit dem Gerhard-Marcks-Haus, Bremen. Kuratorische Assistenz: Anne-Sophie Pieper, M.A.

Kunstwerk oder Cocktail – Skulptur oder Drink? Die Frage, ob man „nur“ schauen oder auch trinken darf, wird am Mittwoch, 05.12.2018 (um 19:30 Uhr) in der Bar der Gegenwart geklärt. Unter dem Titel „Step/ Stufe. Ein skulpturaler Drink und andere Arbeiten von Tine Voecks“ spricht Dörte Dennemann, Programmkuratorin der Kunsthalle Mannheim, mit der bildenden Künstlerin, die eigens für diesen Abend einen Drink kreiert. Darüber hinaus ist ihre künstlerische Praxis ebenso Thema wie ihr Interesse an der räumlichen sowie ästhetischen Gestaltung von Gesprächsumgebungen. An diesem Abend erhalten die Teilnehmer*innen außerdem einen Einblick in Videoarbeiten, Fotografien und Performances der Künstlerin.

Tine Voecks (geboren 1981 in Dachau) ist Bildende Künstlerin und Kulturwissenschaftlerin. Sie studierte an der Universität Hildesheim mit dem Schwerpunkt Kunstvermittlung und Bildende Kunst bei Ernst Caramelle sowie bei Nora Schultz an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe, die sie 2015 als Meisterschülerin abschloss. Seit 2009 arbeitet Voecks auch an Schnittstellen zur Kunstvermittlung und entwickelt u.a. Workshop-Formate in institutionellen Kontexten wie in freien Projekten.

Unter dem Motto „Kunst für alle“ schuf Fritz Wichert 1911 mit der „Akademie für Jedermann“ und dem „Freien Bund zur Einbürgerung der bildenden Kunst in Mannheim“ ein innovatives Kommunikations- und Bildungsangebot für die Mannheimer Stadtgesellschaft. Mit ihrem ProgrammPlus greift die Kunsthalle Mannheim dieses Gründungsmotto auf, um in inspirierender Atmosphäre durch Kunst einen neuen Zugang zu unserer Gegenwart zu eröffnen: Kunst wird relevant für unseren Alltag und das eigene Leben.

Ein Format des ProgrammPlus ist die „Bar der Gegenwart“. Immer am ersten Mittwoch im Monat wird dort um 19.30 Uhr bei einem Drink mit lokalen wie internationalen Künstler*innen, Macher*innen und Denker*innen diskutiert: Wie bestimmt die Kunst das Leben? Wie inspiriert sie uns, auch einmal anders auf die täglichen Fragen zu blicken, z.B. wie man mit der Zeit umgeht, seinen Arbeitsplatz organisiert oder wie man zusammen leben will.

ProgrammPlus – Bar der Gegenwart:
Mittwoch, 05.12.2018, 19:30 Uhr
Step/Stufe. Ein skulpturaler Drink und andere Arbeiten von Tine Voecks
Kosten: 5 €, Eintritt frei (da MVV Kunstabend)
Ort: Kunsthalle Mannheim, Auditorium

Das „digitale Klassenzimmer“ der Kunsthalle Mannheim wird größer: Seit heute stehen 13 neue Arbeitsblätter zum Download auf der Homepage unter www.kuma.art/de/kunstvermittlung bereit. Im Rahmen der digitalen Strategie zielt die Kunstvermittlung der Kunsthalle Mannheim darauf, mit diesem besonderen Online-Angebot Schüler*innen neue Lernerfahrungen und frische Zugänge zu künstlerischen Themen zu ermöglichen. Im Juni 2018 wurden die ersten drei Arbeitsblätter online gestellt, die sich Lehrkräfte kostenlos von der Homepage des Kunstmuseums herunterladen konnten. Aktuell werden insgesamt 16 Arbeitsblätter für unterschiedliche Jahrgangsstufen und Schulformen angeboten.

„Wir wollen die Chancen, die die Digitalisierung bietet, sinnvoll nutzen sowie Lehrkräfte und Schüler*innen für Kunst, Künstler*innen und unser Haus interessieren“, erklärt Dr. Dorothee Höfert, Leiterin der Kunstvermittlung. „Unsere Arbeitsblätter bieten Schüler*innen die Möglichkeit, sich mit künstlerischen Fragestellungen und Wahrnehmungen auseinanderzusetzen.“

Gedacht sind die Arbeitsblätter als Ergänzung zum Besuch einer Schulklasse in der Kunsthalle. Sie orientieren sich an den Bildungsplänen Baden-Württembergs. Die Blätter ermöglichen einen ersten Einstieg in verschiedene künstlerische Themen und Fragestellungen und können zur Vorbereitung bereits vor einem Museumsbesuch im Unterricht eingesetzt werden. Zusätzlich liefern sie praktische Anregungen zur Nachbereitung, inklusive Hinweisen zu weiterführender Literatur und Links.

Die Arbeitsblätter sind didaktisch aufbereiteten und ansprechend gestaltetet. Der erste Teil mit grundlegenden Informationstexten zur Handhabung des Arbeitsblatts und zu den Bildungsplanbezügen adressiert die Lehrkräfte. Der abwechslungsreich gestaltete zweite Teil spricht die Schüler*innen an. Er enthält Aufgaben, Anregungen und Informationen zu Künstlern und Werken und bezieht sich auf die prozess- und inhaltsbezogenen Kompetenzen des geltenden Bildungsplans.

Ziel der Arbeitsblätter ist es, eine ästhetisch-forschende Grundhaltung von Schüler*innen ab Klassenstufe 3 zu unterstützen und ihre individuellen Gestaltungs- und Ausdrucksmöglichkeiten zu fördern. Dieses Online-Angebot der Kunstvermittlung wird stetig erweitert. Gelayoutet wurden die Arbeitsblätter von Luise John, PIKDREI – Agentur für visuelle Kommunikation, Mannheim.

Gefördert von der Baden-Württemberg Stiftung.

Rauchende Schlote und Hafenkräne, der nächtliche Wasserturm von elektrischem Licht bestrahlt, Plakate für Benz-Automobile und Werbung für Flugmotoren: In Ergänzung und Erweiterung der Großausstellung „Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie“ präsentiert die Graphische Sammlung eine Ausstellung, die den Fokus auf Mannheim als Industriestadt lenkt. Kurator Dr. Thomas Köllhofer zeigt unter dem Titel „Mannheim wächst. Bilder einer Industriestadt“ (07. Dezember 2018 bis 10. März 2019) Zeichnungen, Druckgraphiken und Plakate vor allem aus der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts aus den Sammlungen der Kunsthalle Mannheim und des Marchivum, die die Produktion, den Hafen und den Verkehr als Motoren der prosperierenden Wirtschaftsmetropole in den Mittelpunkt rücken.

Die Graphiken führen vor Augen, wie sehr die Eigenwahrnehmung Mannheims von einer dynamischen Industrie- und Großstadtästhetik geprägt war. Qualmende Schornsteine, Ladekräne, Eisenbahnschienen und Autobahn wurden zu Symbolen der Moderne. Das schlagkräftig gestaltete Plakat eroberte als optisch wirksamer Werbeträger den öffentlichen Raum. Eröffnet wird die Ausstellung in der Graphischen Sammlung der Kunsthalle Mannheim am Donnerstag, 06.12.2018 (19 Uhr) in der Kuppelhalle des Jugendstilbaus.

Die geographische Lage zwischen Rhein und Neckar ließ Mannheim seit dem frühen 19. Jahrhundert zu einem zentralen Verkehrsknotenpunkt mit einem der größten Binnenhäfen Europas werden. Auch nachdem Anfang des 20. Jahrhunderts der Rhein südlich von Mannheim schiffbar gemacht wurde, blieb die Stadt zentraler Umschlagplatz für Waren, die von der Küste in den Süden transportiert wurden. Unweit vom Hafen entstand ein zentraler Güter-Rangierbahnhof. Unter den Nationalsozialisten sollte von hier aus die erste Autobahnstrecke Deutschlands in Betrieb genommen werden. Bahn und Straßenverkehr sind die Bildthemen der damaligen Zeit. Den stärksten Nachhall in den Arbeiten der Mannheimer Künstler hat jedoch der Hafen mit seinen Wasserstraßen, Schiffen und Verladekränen gefunden.

Mit der Industrialisierung entstanden auch neue Druckverfahren, die eine preiswerte Herstellung von druckgraphischen Auflagen in bisher unerreichter Höhe ermöglichten. Seit Anfang des Jahrhunderts konnten Firmen auf diese Weise massenhaft mit Plakaten für ihre industriell erzeugten Serienprodukte werben. In den 1920er Jahren prägt eine produktbezogene Sachlichkeit mit klarer Typographie und die Fotomontage als modernes Stilmittel das Erscheinungsbild dieser Plakate. Rauchende Schornsteine werden zum Symbol einer prosperierenden Industrie mit Vollbeschäftigung und Wohlstand. Nach der Machtergreifung der Nationalsozialisten 1933 wird die Sprache der Plakate martialischer. Diagonal in den Bildraum ragende Schornsteine erinnern an Kanonenrohre und bereiten die Bevölkerung auf den nahenden Krieg vor.

Save the Date:
Pressekonferenz „Mannheim wächst. Bilder einer Industriestadt“
Dienstag 04. Dezember, 2018, 11 Uhr
Kunsthalle Mannheim, Alte Bibliothek

Mannheim wächst. Bilder einer Industriestadt
07. Dezember 2018 bis 10. März 2019
Eröffnung: 06. Dezember 2018, 19 Uhr
Kurator: Dr. Thomas Köllhofer

Als „Colonel“ trägt er einen blauen UN-Helm und verbreitet in der ganzen Kunstwelt seine Botschaft: Thierry Geoffroy thematisiert mit seiner Aktionskunst Protest und Kritik gegenüber dem Kunstmarkt und der Zivilgesellschaft. Im Rahmen des Community College am Samstag, 10.11.2018 (15 Uhr), lädt der Künstler Interessierte zu einem Stadtspaziergang mit interaktiven Performances mitten in Mannheim ein.

„To express aesthetically about the crisis is not going to solve it“ hat Thierry Geoffroy auf ein gelbes Zwei-Personen-Zelt gesprüht, das er mal vor der Kunsthalle, mal direkt im Atrium des Neubaus platziert. Die mit Slogans beschrifteten Iglu-Zelte sind als Symbol des Widerstands zu lesen. Der Künstler schlägt sie bei Kunst-Biennalen und anderen Großveranstaltungen der Kunstwelt auf – auch anlässlich der Documenta in Kassel war er 2012 und 2017 mit diesem Format präsent. Im Kontext der Sonderausstellung „Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie“ stellt Geoffroy mit seinen Werken die Frage: Welche Wirkkraft besitzt Kunst angesichts der gesellschaftspolitischen Veränderungen?

Die Teilnehmer*innen des Community Colleges am 10.11.2018 machen sich mit dem Künstler Thierry Geoffroy auf den Weg in den Mannheimer Stadtraum. Sie lassen sich in seine Aktionen einbinden: Mit der nur scheinbaren Naivität eines Inspektor Columbo fragt der gebürtige Franzose in seinen Aktionen und Performances danach, was hinter diesem oder jenem Anspruch steckt, was die verschiedenen kuratorischen Entscheidungen einer Ausstellung beeinflusst. Denn genau wie anspruchsvolle Titel und Pressetexte zum Marketing einer Ausstellung gehören, stehen hinter einer Ausstellung vielleicht auch stadtpolitische oder finanzielle Interessen, die mit einem kritischen Anspruch der Kunstakteure schwer vereinbar sind. Geoffroy entwickelt für seine Aktionen unterschiedliche, humorvolle wie kritische Formate, die ihm erlauben, das Publikum mit einzubeziehen. Er lädt die Besucher zum Tanzen und Joggen ein und animiert zu vielseitiger Aktivität.

Das Community College ist Teil des ProgrammPlus. Mit diesem Format ruft die Kunsthalle Mannheim zu Mitmachaktionen, Diskussionen, Stadtspaziergängen und regelmäßigen Treffs auf, in denen Themen aufgegriffen werden, die für die Stadtgesellschaft Mannheims Bedeutung haben. Gleichzeitig bietet das Community College die Gelegenheit mit unterschiedlichsten Akteuren, Lieblingsorte aufzusuchen, neue Orte zu entdecken sowie andere Sichtweisen und Ansichten kennenzulernen und miteinander auszutauschen. Eine kosmopolitische Gesellschaft ist die regionale Antwort auf die Herausforderungen einer globalisierten Welt.

ProgrammPlus
Samstag, 10.11.,15 Uhr
Community College: Themen der Stadtgesellschaft – Themen der Kunsthalle
Stadtspaziergang mit Thierry Geoffroy
Kosten: 4 € inklusive Eintritt
Treffpunkt: Atrium (Nähe Kassentresen), Kunsthalle Mannheim

Dr. Ulrike Lorenz erhält am Freitag, 09.11.2018 die Goldene Ehrennadel des 10. Frauenbrücke-Preises für die innere Einheit Deutschlands in Europa 2018. Der Festakt findet um 17 Uhr im Haus der Brandenburgisch-Preußischen Geschichte in Potsdam statt. Ebenfalls mit der Goldenen Ehrennadel ausgezeichnet wird die Journalistin und Buchautorin Petra Reski. Dr. Manfred Stolpe, erster Ministerpräsident des Landes Brandenburg (1990 bis 2002), erhält als beispielhafte politische Persönlichkeit eine außerordentliche Ehrung. Die Laudatio auf Lorenz hält Dr. h. c. Ingrid Mössinger, Generaldirektorin a.D. der Chemnitzer Kunstsammlungen.

Der erste Frauenbrücke-Preis wurde am 5. November 1999 anlässlich des zehnten Jahrestages der Maueröffnung von der Frauenbrücke Ost-West verliehen. Um eine möglichst breite öffentliche Diskussion über die Entwicklung der inneren Einheit in Deutschland zu fördern und um die Verleihung des Preises auf Dauer unabhängig vom Verein sicher zu stellen, gründete Helga Niebusch-Gerich am 2. November 2000 die gemeinnützige "Stiftung Frauenbrücke-Preis für die innere Einheit in Deutschland". Mit der Verleihung des Preises möchte die Stiftung die innere Einheit Deutschlands sowie die innere Zusammengehörigkeit in Europa durch gemeinsames Handeln fördern und stärken. Der Preis wird alle zwei Jahre ausgeschrieben.

Als beispielhafte Brückenbauerin zwischen den alten und neuen Bundesländern, die mit ihrer Offenheit existierende Unterschiede respektiert und zugleich den Weg über diese hinaus ebnet, wird Dr. Ulrike Lorenz 2018 mit der Goldenen Ehrennadel ausgezeichnet. Lorenz ist – wie Otto Dix, der lange Zeit ein Fixpunkt für die Kunsthistorikerin war – in Gera aufgewachsen. Seit 2009 ist sie Direktorin der Kunsthalle Mannheim. Unter ihrer Leitung entstand 2012 bis 2018 der zukunftsweisende Neubau der Kunsthalle Mannheim als „Stadt in der Stadt“ mit einer radikal demokratischen Museumsphilosophie einschließlich einer beispielhaften Digitalen Strategie. Zuvor wirkte sie als Direktorin des Kunstforums Ostdeutsche Galerie in Regensburg (2004–2008) und der Kunstsammlung Gera (1991–2004).

Es ist erstaunlich, dass ein so enger, auf den ersten Blick unwirtlicher Ort ausreicht, um frische, partizipative Kunstwerke zu kreieren. Bereits im August hat die Künstlergruppe Volume V ihr Quartier in einer grauen Baracke vor dem Neubau der Kunsthalle Mannheim bezogen, um im Austausch mit und der Beteiligung von Bürger*innen Kunstproduktion anzuregen. Am Mittwoch, 07.11.2018 (19.30 Uhr), haben Besucher nun die Gelegenheit, die Künstler*innen des Projekts Volume V der Hochschule der Bildenden Künste Saar in der „Bar der Gegenwart“ kennenzulernen. Zum Auftakt lädt die Gruppe das Publikum zu einer Performance im Atrium ein sowie zu einem Rundgang mit Aktionen, Filmen, und künstlerischen Übungen in ihrem Container. Im Anschluss sprechen die Künstler*innen im Auditorium bei einem Drink über Ihre Arbeit.

Gegründet wurde die temporäre Arbeitsgemeinschaft Volume V von Künstler*innen im Umfeld der HBK Saar und Professor Georg Winter anlässlich der Sonderschau „Konstruktion der der Welt. Kunst und Ökonomie“ in der Kunsthalle Mannheim. Ausgehend von Fragestellungen des Strukturwandels postindustrieller Standorte arbeitet Volume V mit künstlerischen Werken an der Verfasstheit gesellschaftlicher Verhältnisse. Ihr kreatives Labor hat die Gruppe sich in einer ehemaligen Zahnklinik des US-Militärs, genannt MASH (Mobile Army Surgical Hospital), eingerichtet, die extra von den Konversionsflächen des Mannheimer Franklin Village an den Friedrichsplatz umgezogen ist.

Dort ergänzt das Studio nun bis Anfang 2019 die große Sonderausstellung, deren zweiter Teil sich auf die zeitgenössische Kunst zwischen 2008 und 2018 konzentriert und die Reflexion der Arbeitswelt im 21. Jahrhundert vorstellt. Abstrakte ökonomisch-politische Themen werden von Volume V aufgegriffen und mit freiwilliger Teilnahme der Besucher*innen aktiv behandelt. Was man sich darunter konkret vorstellen kann, erfährt man u.a. im Gespräch mit den Künstler*innen am 07.11.2018.

In der Bar der Gegenwart wird bei einem Drink mit lokalen wie internationalen Künstler*innen, Macher*innen und Denker*innen besprochen, wie wir die Gegenwart verstehen können und wie Kunst uns inspiriert, anders auf unsere täglichen Fragen zu blicken – z.B. wie wir mit Zeit umgehen, wie wir unseren Arbeitsplatz organisieren, was uns für unseren Beruf motiviert und wie wir zusammenleben wollen. Die Bar der Gegenwart findet an jedem ersten Mittwoch im Monat um 19.30 Uhr statt.

Darüber hinaus lädt Volume V alle Interessierten ein, den Künstler*innen im MASH-Container einen Besuch abzustatten. Aktionen und Veranstaltungen werden auf Facebook unter „Volume V Mannheim“ sowie auf der Internetseite www.sar-projektbüro.de angekündigt.

ProgrammPlus zu „Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie“:

Mittwoch, 07.11.2018, 19.30 Uhr
Bar der Gegenwart: Performances, Aktionen, Gespräche und Drinks mit der Gruppe Volume V der HBK Saar
Treffpunkt: Museumskasse Atrium
Kosten: 5 € inkl. Eintritt (MVV-Kunstabend)

Weitere Veranstaltungen an diesem MVV-Kunstabend:

Mittwoch, 07.11.2018, 18.30 Uhr und 20 Uhr
Weltsprache Abstraktion
Kunstgespräch für Neugierige in der Sammlungspräsentation "OFFEN"

Mittwoch, 07.11.2018, 18.30 Uhr und 20 Uhr
Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie – 2008–2018

Kunstgespräch für Neugierige in der Sonderausstellung

MVV-Kunstabend:
1. Mittwoch im Monat, 18-22 Uhr, Eintritt frei

Die Ausstellung wird gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes (Hauptförderer), BASF SE (Hauptsponsor), H.W. & J. Hector Stiftung, Ernst von Siemens Kunststiftung, Stiftung Kunsthalle Mannheim, VR Bank Rhein-Neckar eG, Stadt Mannheim, Innovationsfonds Kunst des Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg. Medienpartner der Ausstellung ist das Handelsblatt.

Die Ausstellung „Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie“ steht unter der Schirmherrschaft von Bundespräsident Frank-Walter Steinmeier.

Mit größter Sorgfalt ausgearbeitete winzige Feinheiten und Details – diese Besonderheit der Radierungen des Künstlers Jacques Callot präsentiert Dr. Thomas Köllhofer am Mittwoch, 24.10.2018 (18.30 Uhr), in der Kunsthalle Mannheim. Seine Führung „Mit der Lupe betrachtet. Die besondere Technik der Radierung bei Jacques Callot“ gibt den Besucher*innen vertiefende Einblicke zu der Sonderausstellung „CALLOT. Graphische Monumente“, an der der Kurator selbst mit gearbeitet hat. Mit bereitgestellten Lupen können die ausgestellten Radierungen genauer untersucht werden.

Jacques Callot (1592–1635) gilt als der bedeutendste spätmanieristische Kupferstecher des frühen 17. Jahrhunderts. Er arbeitete für Cosimo di Medici in Florenz und später für die Höfe in Lothringen, Paris, den Niederlanden und Spanien. Kaum einem Künstler ist es wie ihm gelungen, mit der Kunst der Radierung zu Weltruhm zu gelangen. Callot liebte theatralische Grotesken und elegante Hofszenen. Seine Werke leben von einem unerschöpflichen Detailreichtum, dem der geniale Radierer Monumentalität und fesselnde Präsenz verliehen hat. Der Zyklus „Die Schrecken des Krieges“ hat Künstler wie Franzisco de Goya oder Otto Dix beeinflusst. Sein Gesamtwerk umfasst 1.428 Graphiken; die Kunsthalle Mannheim besitzt mit über 500 Radierungen gut ein Drittel.

„Der Galgenbaum“ aus der Serie „Die Schrecken des Krieges“ (1633) ist das bekannteste Blatt von Jacques Callot. Die gewaltsamen Handlungen des 30-jährigen Krieges stellt er keineswegs heroisierend dar, sondern schildert vielmehr nüchtern mit dem ihm eigenen Detailreichtum den Alltag in diesen Zeiten. Gleiches gilt für die großformatigen Darstellungen der Besetzung von Breda oder von La Rochelle. Sowohl seine großformatigen Belagerungsbilder wie auch seine topographisch exakten Landschaften machen diesen Schwerpunkt auf dem täglichen Leben der Menschen deutlich.

Fantasievolle, oft fantastische Ausgestaltungen kennzeichnen Callots Radierungen. Meist bearbeitet er kleine Platten, auf denen er eine vielgestaltige Szene mit einer dicht verwobenen Detailfülle unterbringt. Hauptfiguren stellt er monumental in den Vordergrund. Jede einzelne Figur erzählt eine eigene kleine Geschichte. Um diese detaillierte Kleinteiligkeit seiner Graphiken zu ermöglichen, entwickelt Callot besondere Methoden der Radierung: so benutzt er einen speziellen, härteren Firnis für besonders feine Linien, erzeugt kunstvoll an- und abschwellende Linien mit der „Echope“, um Hell- und Dunkelwerte zu erzeugen, und setzt stufenweise Ätzprozesse ein, die räumlich-atmosphärische Wirkungen erzeugen.

Die Ergebnisse dieser besonderen Techniken präsentiert die Kunsthalle Mannheim in der Ausstellung „CALLOT. Graphische Monumente“ erstmals mit rund 100 Drucken von Jacques Callot. Zahlreiche Blätter konnten mit der großzügigen Unterstützung privater Bildpaten und der Landesstelle für Museumsbetreuung Baden-Württemberg vorab restauriert werden.

Mittwoch,24.10.2018, 18.30 Uhr
CALLOT. Graphische Monumente
Kuratorenführung durch die Sonderausstellung
Mit der Lupe betrachtet. Die besondere Technik der Radierung bei Jacques Callot
Kosten: 3 € zzgl. Eintritt

Wer eine Liebe für filigrane Linienführung hegt, kommt am Mittwoch, den 10.10.2018 (18.30 Uhr) in der Kunsthalle Mannheim auf seine Kosten: Dr. Thomas Köllhofer führt durch die von ihm kuratierte Sonderausstellung „CALLOT. Graphische Monumente“, die die faszinierend kleinteiligen Werke des Künstlers Jacques Callot präsentiert. Die akribischen Feinheiten können mit bereitgestellten Lupen genauer betrachtet werden.

Jacques Callot (1592–1635) gilt als der bedeutendste spätmanieristische Kupferstecher des frühen 17. Jahrhunderts. Er arbeitete für Cosimo di Medici in Florenz und später für die Höfe in Lothringen, Paris, den Niederlanden und Spanien. Kaum einem Künstler ist es wie ihm gelungen, mit der Kunst der Radierung zu Weltruhm zu gelangen. Callot liebte theatralische Grotesken und elegante Hofszenen. Seine Werke leben von einem unerschöpflichen Detailreichtum, dem der geniale Radierer Monumentalität und fesselnde Präsenz verliehen hat. Der Zyklus „Die Schrecken des Krieges“ hat Künstler wie Franzisco de Goya oder Otto Dix beeinflusst. Sein Gesamtwerk umfasst 1.428 Graphiken; die Kunsthalle Mannheim besitzt mit über 500 Radierungen gut ein Drittel.

„Der Galgenbaum“ aus der Serie „Die Schrecken des Krieges“ (1633) ist das bekannteste Blatt von Jacques Callot. Die gewaltsamen Handlungen des 30-jährigen Krieges stellt er keineswegs heroisierend dar, sondern schildert vielmehr nüchtern mit dem ihm eigenen Detailreichtum den Alltag in diesen Zeiten. Gleiches gilt für die großformatigen Darstellungen der Besetzung von Breda oder von La Rochelle. Sowohl seine großformatigen Belagerungsbilder wie auch seine topographisch exakten Landschaften machen diesen Schwerpunkt auf dem täglichen Leben der Menschen deutlich.

Fantasievolle, oft fantastische Ausgestaltungen kennzeichnen Callots Radierungen. Meist bearbeitet er kleine Platten, auf denen er eine vielgestaltige Szene mit einer dicht verwobenen Detailfülle unterbringt. Hauptfiguren stellt er monumental in den Vordergrund. Jede einzelne Figur erzählt eine eigene kleine Geschichte. Um diese detaillierte Kleinteiligkeit seiner Graphiken zu ermöglichen, entwickelt Callot besondere Methoden der Radierung: so benutzte er einen speziellen, härteren Firnis für besonders feine Linien, erzeugte kunstvoll an- und abschwellende Linien mit der „Echope“, um Hell- und Dunkelwerte zu erzeugen, und setzte stufenweise Ätzprozesse ein, die räumlich-atmosphärische Wirkungen erzeugten.

Die Ergebnisse dieser besonderen Techniken präsentiert die Kunsthalle Mannheim in der Ausstellung „CALLOT. Graphische Monumente“ erstmals mit rund 100 Drucken von Jacques Callot. Zahlreiche Blätter konnten mit der großzügigen Unterstützung privater Bildpaten und der Landesstelle für Museumsbetreuung Baden-Württemberg vorab restauriert werden.

Mittwoch,10.10.2018, 18.30 Uhr
Kuratorenführung durch die Sonderausstellung „CALLOT. Graphische Monumente“ mit  Dr. Thomas Köllhofer
Höfisch, kriegerisch, grotesk. Die große Bandbreite der Themen in Radierungen des Jacques Callot
Kosten: 3 € zzgl. Eintritt

Weitere Kuratorenführungen:
Mittwoch, 24.10.2018, 18.30 Uhr
Mit der Lupe betrachtet. Die besondere Technik der Radierung bei Jacques Callot.

Mittwoch, 14.11.2018, 18.30 Uhr
Monumentalität im Kleinformat. Bildgestaltung und Narration bei Jacques Callot.

Von Marc Chagall über Robert Delaunay bis hin zu Georg Scholz reichen die Kunstwerke, die unter dem Titel „Zu Gast aus aller Welt“ an einer Wand der Ausstellung „(Wieder-)Entdecken – Die Kunsthalle 1933 bis 1945 und die Folgen“ im Wechsel präsentiert werden. Hier begrüßt die Kunsthalle Werke, die 1937 aus ihrer berühmten Moderne-Sammlung als „Entartete Kunst“ beschlagnahmt wurden und heute in Museen oder privaten Sammlungen auf der ganzen Welt beheimatet sind – oftmals als Glanzstücke der jeweiligen Institution. Dies zeigt eindrücklich, welche Kunstschätze die Kunsthalle einst besessen hat und die ihr durch die nationalsozialistischen Beschlagnahmungen genommen worden sind.
Seit 18. September 2018 kann nun das 1921 entstandene Aquarell „Im Café (Hakenkreuzritter)“ von Georg Scholz im Jugendstilbau bewundert werden. Wie viele der 1937 brutal aus der Sammlung gerissenen Werke hatte die Kunsthalle auch diese kleine, fast prophetische Karikatur eines großbürgerlichen Parteigängers der Nationalsozialisten von dem Mannheimer Kunsthändler Herbert Tannenbaum angekauft. Für 130 Reichsmark kam es 1929 in die Sammlung.Über das Schicksal des Blattes nach seiner Beschlagnahmung ist relativ wenig bekannt: So ist es zwischen 1938 und 1941 im Depot für die Wanderausstellung „Entartete Kunst“ im brandenburgischen Velten nachzuweisen, ehe sich seine Spuren für Jahrzehnte verlieren. Erst Mitte der 1970er Jahre taucht „Im Café“ wieder im Kunsthandel auf. Heute ist das Aquarell im Bestand der New Yorker Merrill C. Berman Collection, die es freundlicherweise für die Ausstellung „(Wieder-) Entdecken“ als Leihgabe zur Verfügung stellt, wo es bis 02. Dezember 2018 bestaunt werden darf. Die Dauerausstellung „(Wieder-)Entdecken – Die Kunsthalle Mannheim 1933 bis 1945 und die Folgen“ veranschaulicht die Auswirkungen, welche die Zeit des Nationalsozialismus bis heute auf die Kunsthalle Mannheim, ihre Sammlung sowie auf die mit dem Museum verbundenen Menschen hat. Ein Fokus liegt auf dem dauerhaften Verlust von über 500 Werken, den das Museum 1937 im Zuge der Beschlagnahmungen „entarteter Kunst“ erlitten hat. Deutlich wird aber auch, dass die Kunsthalle Mannheim nicht ausschließlich als Opfer zu begreifen ist. In der Ausstellung wird mit den „Kulturbolschewistischen Bildern“ gleichzeitig auch der Blick auf jene 1933 von der Kunsthalle Mannheim durchgeführte Propaganda-Ausstellung gelenkt, die am Anfang der nationalsozialistischen Hetzkampagnen gegen die moderne Avantgarde steht.
Mit den bisherigen Ergebnissen der Provenienzforschung an der Kunsthalle Mannheim werden abschließend die Anstrengungen thematisiert, die das Museum aktuell unternimmt, um von den Nationalsozialisten begangenes Unrecht aufzudecken und möglichst wieder gut zu machen. Der Besucher hat hier die Möglichkeit, die komplizierte Suche nach sogenannter NS-Raubkunst in der Mannheimer Sammlung nachzuvollziehen. Die Provenienzforschungsstelle wird gefördert durch das Deutsche Zentrum Kulturgutverluste.

(Wieder-)Entdecken – Die Kunsthalle Mannheim 1933 bis 1945 und die Folgen
02. Juni 2018 bis 2020
Kurator: Dr. Mathias Listl

Diese Ausstellung wird groß: Über 240 Exponate von über 130 Künstlern der Klassischen Moderne und der Gegenwart mit Leihgaben aus aller Welt – aus USA und Russland sowie aus vielen europäischen Ländern und Mexiko. „Diese Leihgaben möglich zu machen, war eine Mammutaufgabe“, sagt Dr. Ulrike Lorenz, Direktorin der Kunsthalle Mannheim, die in den USA und in Russland persönlich mit potenziellen Leihgebern und Kooperationspartnern Kontakt aufgenommen hat.

Auf zwei Etagen im Neubau findet die Sonderschau Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie statt, die am Donnerstag, 11. Oktober 2018, eröffnet wird (19 Uhr). Versammelt sind auch eine Vielzahl verschiedener Kunstgattungen: Malerei, Filme, Installationen, Collagen, Fotografien, Zeichnungen und Plakate. „Die visuellen Künste der Zwischenkriegszeit im 20. Jahrhundert waren vielfältig und betrafen nicht nur die Hochkunst, sondern griffen in das Alltagsleben der Menschen ein und Motive der Massenkultur auf“, so Lorenz. „In der Gegenwart sind die Gattungsgrenzen sowieso aufgehoben.“

Ausgehend von der Neuen Sachlichkeit, die in der Kunsthalle Mannheim 1925 ihren Namen erhalten hat, wird eine ähnliche Wiederentdeckung der zeitgenössischen Wirklichkeit, die Hinwendung zu Gegenstand und Gegenwart in der sozialistischen Sowjetunion und in den USA betrachtet und erstmals ein Vergleich der Kunst dieser drei Länder gezogen. Als roter Faden dient die Frage: Wie beeinflusst das ökonomische Sein das künstlerische Bewusstsein und Handeln?

Ein zweites Kapitel wendet sich der unmittelbaren Gegenwart zu, in der Globalisierung, Digitalisierung und die internationale Finanzwirtschaftskrise Künstler zu engagierten Aussagen antreiben. Im Zentrum stehen etwa 35 internationale Künstlerinnen und Künstler mit ca. 70 Arbeiten in den Medien Film, Installation, Fotografie und Performance. Vertreten sind u.a. Jeremy Deller (UK), Maja Bajevic (Bosnien-Herzegowina, F), Alicja Kwade (D/PL), Abraham Cruzvillegas (Mex), Harun Farocki (D) und Antje Ehmann (D).

Das Kuratorenteam für Teil 1 mit Dr. Eckhart Gillen, Berlin, und Ulrike Lorenz sowie Sebastian Baden (Kunsthalle Mannheim) für Teil 2 strebt an, im vergleichenden Sehen und Verstehen der visuellen Kulturen beider Epochen die Analogien und Differenzen in der Verarbeitung des Themas zu erkennen.

Highlights unter den Ausstellungstücken sind beispielsweise der „Schifferstreik IV“ (1930) von Gerd Arntz aus der Sammlung Merrill C. Berman, das „Motorrad Rennen“ (1923-25) von Konstantin Vjalov aus der Tretjakov Galerie Moskau sowie die „Cotton Pickers“ (1935) von Jackson Pollock aus der Albright-Knox-Gallery – ein unbekanntes Frühwerk, das stilistisch eine Überraschung birgt.

Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie –
1919-1939 und 2008-2018
12. Oktober 2018 bis 03. Februar 2019
Eröffnung: 11. Oktober 2018, 19 Uhr

Die Ausstellung wird gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes, BASF SE (Hauptsponsor), Stiftung Kunsthalle Mannheim, H.W. & J. Hector Stiftung, Ernst von Siemens Stiftung, VR Bank Rhein-Neckar eG, Stadt Mannheim
Projekt Volume V – im Kontext von “Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie – 2008-2018” wird gefördert durch den Innovationsfonds Kunst des Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg
Medienpartner der Ausstellung ist das Handelsblatt.

#artandeconomy

Fotos macht ihr tägliche Dutzende mit Eurem Handy oder Tablet. Im Gegensatz dazu braucht der Fotograf Jeff Wall manchmal zwei Jahre für einen seiner großformatigen Leuchtkästen, für die er bekannt geworden ist. Der kanadische Künstler (Jahrgang 1946) zeigt Menschen in unterschiedlichen Situationen, beim Picknick, auf dem Weg zur Arbeit oder in ihrer Wohnung. Was wie zufällig aufgenommen aussieht, ist in Wirklichkeit perfekt inszeniert und erinnert oft an berühmte Gemälde der Kunstgeschichte. Jeff Wall beschäftigt sich mit Fragen medialer Inszenierungen und Klischeevorstellungen in der zeitgenössischen Fotografie.

„Deine Szene als Foto – wie von Jeff Wall" heißt der Sommerferien-Workshop für Kinder für Jugendliche zwischen 13 und 16 Jahren am Dienstag 04. und Mittwoch, 05. September 2018 von 10.15 bis 16 Uhr in der Kunsthalle Mannheim stattfindet. Gemeinsam mit Kunstvermittlerinnen schauen sich die TeilnehmerInnen die Ausstellung an, entwickeln Themen, Strategien und Motive für verschiedene inszenierte Fotos und werden anschließend selbst kreativ.

Bitte mitbringen: Essen, Trinken, Sonnenschutz.

Anmeldung: www.abendakademie-mannheim.de, Kursnummer R196066, Kosten: 40 € (inkl. Material und Eintritt).

Museum in Bewegung: Die kommende Mega-Ausstellung „Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie“ bringt bereits jetzt Bewegung in die neue Kunsthalle Mannheim. Schon diese Woche beginnen die Umbauarbeiten und am kommenden Dienstag, 28.08.2018, eröffnet ein erster Themenkubus seine Pforten. In Vorbereitung auf die Sonderschau, die am 11.10.2018 eröffnet,
wird das Herzstück der Mannheimer Sammlung neu positioniert: Édouard Manets „Die Erschießung Kaiser Maximilians von Mexiko“ (1868-69) zieht in Kubus 1, der daher ab heute bis Sonntag, 26.08.2018, geschlossen ist.

Interessierte Besucher haben bis Sonntag noch ein letztes Mal die Gelegenheit, das Manet-Gemälde in Kubus 3 mit der raumgreifenden Installation „Arena“ von Rita McBride zu erleben. Am Freitag, 24.08.2018 (10.30 bis 12 Uhr), und Samstag, 25.08.2018 (15 bis 17 Uhr), findet dort die Perfomance „Bodies and Structure“ von Alexandra Waierstall statt.

Manets berühmtes Ölgemälde ist ab Dienstag, 28.08.2018, in „seinem“ Kubus 1 in der neuen Konstellation mit „The Chisel and the Sinkhole“ (2016-2017) von José Antonio Vega Macotela zu erleben. Ab Dienstag, 28.08.2018, bis zur Eröffnung von „Konstruktion der Welt“ am Donnerstag, 11.10.2018 (19 Uhr) werden die Kuben 2 bis 4 für die Sonderschau vorbereitet und sind daher für die Öffentlichkeit nicht zugänglich.

Mit seinem Umzug in Kubus 1 erobert Manet jenen Galerieraum, der originär für das riesige Meisterwerk entworfen wurde. Die Gegenüberstellung mit dem Werk von Vega Macotela markiert den kunsthistorischen Ansatz der Ausstellung „Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie“.

Die zweite Sonderausstellung seit der Neueröffnung beleuchtet zehn Jahre nach der Finanzkrise erstmals sichtbare Einflüsse der Ökonomie auf Kunst und Künstler in der Periode von 1919 bis 1939 und zwischen 2008 und 2018. Ein internationaler Vergleich der visuellen Künste zwischen den Weltkriegen und in der Gegenwart führt durch eine sich dramatisch wandelnde Erfahrungswelt von Mensch und Arbeit. Etwa 250 Gemälde, Filme, Fotografien, Collagen und Multimedia-Installationen von rund 150 Künstlern und Kollektiven aus mehr als 20 Nationen reflektieren Fragen und beschreiben Phänomene, die heute brisanter sind denn je.

José Antonio Vega Macotelas „The Chisel and the Sinkhole“ (Der Meißel und der Stollen) ist eine Klangskulptur, die aus der Mechanik einer europäischen Spieluhr und Werkzeugen des Bergbaus der lateinamerikanischen Kolonialzeit zusammengesetzt wurde. Auf diese Weise verknüpft Macotela die Geschichte der kolonisierten Bevölkerung mit jener der Kolonialherren. In seinen Werken greift der Künstler (Teilnehmer der documenta 14 in Kassel und Athen) die Themen Ökonomie, Macht, Gefangenschaft und Widerstand auf. Im Kontext des Historienbildes von Edouard Manet bringt er aktuelle sozioökonomische und politische Aspekte der Globalisierung auf den Punkt, deren Ursprünge in die Geschichte der Eroberung der Welt durch europäische Interessen zurückreichen.

Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie – 1919-1939 und 2008-2018
12. Oktober 2018 bis 03. Februar 2019
Eröffnung: 11. Oktober 2018, 19 Uhr

Die Ausstellung wird gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes, BASF SE (Hauptsponsor), Stiftung Kunsthalle Mannheim, H.W. & J. Hector Stiftung, Ernst von Siemens Stiftung, VR Bank Rhein-Neckar eG, Stadt Mannheim.

Projekt Volume V – im Kontext von „Konstruktion der Welt. Kunst und Ökonomie – 2008-2018“ wird gefördert durch den Innovationsfonds Kunst des Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg.

Kaum einem Künstler ist es wie ihm gelungen, mit der Kunst der Radierung zu Weltruhm zu gelangen. Jacques Callot (1592–1635) gilt als der bedeutendste spätmanieristische Kupferstecher des frühen 17. Jahrhunderts. Er arbeitete für Cosimo di Medici in Florenz und später für die Höfe in Lothringen und in Paris, der Niederlanden und Spaniens.
In der Ausstellung „CALLOT. Graphische Monumente“ (14. September bis 25. November 2018) präsentiert die Kunsthalle Mannheim erstmals rund 100 Drucke von Jacques Callot. Zahlreiche Blätter konnten mit der großzügigen Unterstützung privater Bildpaten und der Landesstelle für Museumsbetreuung Baden-Württemberg vorab restauriert werden.
Callot liebte theatralische Grotesken und elegante Hofszenen. Seine Werke leben von einem unerschöpflichen Detailreichtum, dem der geniale Radierer Monumentalität und fesselnde Präsenz verliehen hat. Der Zyklus „Die Schrecken des Krieges“ hat Künstler wie Franzisco de Goya oder Otto Dix beeinflusst. Sein Gesamtwerk umfasst 1.428 Blätter; die Kunsthalle Mannheim besitzt mit über 500 Radierungen gut ein Drittel seiner Graphiken.
Fantasievolle, oft fantastische Ausgestaltungen kennzeichnen Callots Radierungen. Meist bearbeitet er kleine Platten, auf denen er eine vielgestaltige Szene mit einer dicht verwobenen Detailfülle unterbringt. Hauptfiguren stellt er monumental in den Vordergrund. Jede einzelne Figur erzählt eine eigene kleine Geschichte. Um diese detaillierte Kleinteiligkeit seiner Graphiken zu ermöglichen, entwickelt Callot einen speziellen, härteren Firnis, der ihm das Radieren besonders feiner Linien erlaubt. Zudem bringt er den Einsatz der sogenannten „Echope“ zu großer Meisterschaft. Mit dieser besonderen Form der Radiernadel kann man an- und abschwellende Linien anfertigen, um Hell- und Dunkelwerte ohne Schraffuren zu erzeugen.
„Der Galgenbaum“ aus der Serie „Die Schrecken des Krieges“ (1633) ist das bekannteste Blatt von Jacques Callot. Die kriegerischen Handlungen stellt er keineswegs heroisierend dar, sondern schildert vielmehr nüchtern mit dem ihm eigenen Detailreichtum den Alltag in Zeiten des 30-jährigen Krieges. Gleiches gilt für die großformatigen Darstellungen der Besetzung von Breda oder von La Rochelle.
Bis heute sind seine Darstellungen des höfischen Lebens wichtige zeithistorische Dokumente. Callot füllt seine Blätter mit buckligen Zwergen, den gnomenhaften „Gobbi“ und Figuren der Commedia dell’arte („Balli di Sfessania“) und viele anderen Akteuren des höfischen Lebens.

CALLOT. Graphische Monumente
14.09. – 25.11.18
Eröffnung: 13.09.18, 19 Uhr
Kurator: Dr. Thomas Köllhofer

Die Ästhetik des Alltags steht am Samstag, 21. Juli 2018 (15 bis 17.30 Uhr), beim Community College der Kunsthalle Mannheim im Mittelpunkt. Ausgehend von dem Werk „Mask Maker“ (2015) des kanadischen Fotografen Jeff Wall besuchen Dörte Dennemann, Kunsthalle Mannheim und Tanja Krone, zeitraumexit e.V., mit den Teilnehmerinnen und Teilnehmern Menschen, die in ihrem beruflichen Alltag und aus ihrem biographischen Lebensgeschichten heraus neue Blickwinkel auf das Werk des kanadischen Fotokünstlers erlauben.
Nach einer gemeinsamen Betrachtung des „Mask Makers“ von Jeff Wall geht es zu Fuß in die Quadrate, wo der Mannheimer Unternehmer Roger Davis in einen seiner Geschäfte einlädt. Der Einzelhändler sieht in einer Maske, die man aufsetzt, auch eine Brücke zum anderen, steht die Maske doch für ein Narrativ, da man über sich selbst erzählt. Es gilt Parallelen zur fotografierten Szenerie in den internationalen Einzelhandelsgeschäften der Mannheimer Innenstadt zu entdecken.
Weiter geht es in die Jungbuschstraße, wo Milan Ilic einen Frisörsalon betreibt. Er sieht sich selbst als „Haarschamane", der seine Kunden anregt, über Aussehen und Wirkung nachzudenken und sie in einer schamanischen Sitzung darin unterstützt, sich selbst näher zu kommen. Die Frage des Tages lautet: Welche Maske trage ich heute, wofür und wen?
Das Community College ist ein neues Format im Rahmen des ProgrammPlus. Die Kunsthalle Mannheim ruft in Form von Mitmachaktionen, Diskussionen, Stadtspaziergängen und regelmäßigen Treffs auf, über Themen nachzudenken, die für die Stadtgesellschaft Mannheims Bedeutung haben. Gleichzeitig bietet das Community College die Gelegenheit mit unterschiedlichsten Akteuren, Lieblingsorte aufzusuchen, neue Orte zu entdecken sowie andere Sichtweisen und Ansichten kennenzulernen und miteinander auszutauschen. Eine kosmopolitische Gesellschaft ist die regionale Antwort auf die Herausforderungen einer globalisierten Welt.

Samstag, 21.7.18, 15 Uhr
Community College:
Themen der Stadtgesellschaft – Themen der Kunsthalle: Ästhetik des Alltags
Treffpunkt: Litfaßsäule, Atrium, Kunsthalle Mannheim
Eintritt: 4 €
Der Rundgang endet gegen 17.30 Uhr in der Jungbuschstraße, Mannheim.
In Kooperation mit zeitraumexit.

Was ist ein Kunstwerk? Marinella Senatores Arbeiten entstehen durch öffentliche Mitwirkung. Die bildende Künstlerin arbeitet mit vielen Mitteln – von Video und Fotografie über Zeichnung, Collage, Malerei und Skulptur bis hin zu Klängen. Ihr verblüffendstes Medium ist jedoch der Mensch selbst, der auch bei ihrer öffentlichen Parade „The School of narrative Dance“ am Donnerstag, 12. Juli 2018 zum Einsatz kommt. In Zusammenarbeit mit Mannheimer Bürgern, Vereinen, Clubs und Initiativen choreographiert Marinella Senatore zur Eröffnung des Festivals „Mannheimer Sommer“ eine neue Parade, die vom Atrium der kürzlich eröffneten Kunsthalle Mannheim bis zum Vorplatz des Nationaltheaters führt. Neben Musik und Tanz spielen vor allem die Mannheimer bei dieser Parade die Hauptrolle. (Dauer: ca. 90 Min., Eintritt frei.)
In der Kunsthalle Mannheim wird während des Festivalzeitraums und darüber hinaus (12. Juli bis 26. August 2018) in der BOX eine temporäre Ausstellung von Werken Marinella Senatores zu sehen sein, die ebenfalls am 12. Juli eröffnet wird (17 Uhr).
Marinella Senatore hat ihre Paraden, Performances und sozialen Skulpturen bereits auf der ganzen Welt realisiert – in China, Südamerika, Europa und den USA. Ihr Thema ist der Dialog zwischen individuellen Lebensgeschichten, kollektiver Kultur und sozialen Strukturen, die sich überall gleichen und doch überall unterschiedlich sind.
Senatore (*1977) besuchte die Schule für Schöne Künste in Neapel, die Nationale Filmschule in Rom, das Konservatorium für Musik und absolvierte im Jahr 2006 ihr Kunststudium an der Universität von Castilla-La Mancha (Spanien), wo sie sieben Jahre lang außerordentliche Professorin war. Ab 2003 widmete sie sich künstlerischer und didaktischer Arbeit: Sie war sechs Jahre Professorin an der Universität Complutense Madrid, Gastprofessorin an den Universitäten von Rom, Universität Granada (Spanien), der State University of New York, Columbia University (New York) u.a. Zurzeit lebt und arbeitet sie in Berlin und London.
Marinella Senatores künstlerische Arbeiten sind durch öffentliche Beteiligung gekennzeichnet. Wo auch immer sie eine Arbeit produziert, involviert sie Gemeinschaften und Gruppen in den künstlerischen Prozess, um die kreative Kraft einer Menschenmenge zu fördern und einen Dialog zu initiieren. Dabei geht es der gebürtigen Italienerin nicht nur darum, soziale Prozesse auszulösen, sondern Konzepte wie gesellschaftliche und soziale Verantwortung zu hinterfragen, neue Erzählformen zu finden und schließlich durch gemeinsames Handeln ein kollektives Gedächtnis zu generieren.
In ihrer Arbeit „Rosas“ (2012), einer Oper für die Leinwand, beispielsweise waren 20.000 Menschen aus Spanien, Deutschland und Großbritannien involviert. Zu den Teilnehmern zählten professionelle Tanzgruppen, Laienschauspieler, Tischler, Kunststudenten und Gemeindechöre, die am Libretto als Schauspieler, Sänger oder als Filmcrew beteiligt waren. Sie wurden durch kostenlose Workshops unter der Leitung von lokalen Experten auf die verschiedenen Rollen und Aufgaben für die Produktion der Oper vorbereitet, z.B. in den Bereichen Filmmusik, Dramaturgie und Schnitt.
Die Tatsache, dass Marinella Senatore ihre Kunst als soziales Engagement sieht, zeigt sich besonders deutlich in der „School of narrative Dance“, die sie 2013 gründete. Dabei handelt es sich um eine mobile, kostenlose Schule, die sich auf das Geschichtenerzählen konzentriert, das u.a. auf Emanzipation und Inklusion ausgerichtet ist. Die Ziele dieser speziellen Ausbildung sind Alphabetisierung, Austausch von Fähigkeiten und Nachhaltigkeit.

Eine Koproduktion von Kunsthalle Mannheim und Nationaltheater Mannheim.

Kunst- und Kulturgüter sind in vielfältiger Form Schwingungen und Stößen ausgesetzt. Doch welche mechanischen Belastungen schädigen die Kunstwerke? Welche Rolle spielt das Eigenschwingungsverhalten? Mit diesen Fragen haben sich die Restauratorinnen Katrin Radermacher und Daniela Hedinger von der Kunsthalle Mannheim sowie Dr. Kerstin Kracht, Ingenieurin für Schwingungstechnik, am Beispiel von Max Beckmanns Ölgemälde „Fastnacht“ auseinandergesetzt. Die Ergebnisse der Schwingungsmessungen vor und nach der Restaurierung sowie ein Workshop rund um die Schwingungsbelastungen von Kunst- und Kulturgütern sind Gegenstand des Symposiums „Alles schwingt: Mechanische Schwingungen wirken auf Kunstwerke“, das am Freitag und Samstag 29./ 30. Juni 2018 in der Kunsthalle Mannheim stattfindet.

Das Symposium ist international besetzt. ReferentInnen sind u.a. Dr. Ing. William Wei (Rijksdienst voor het cultureel Erfgoed, Amsterdam), Michel Dubus, M.A. (Institut national du Patrimoine, Paris), Arne Johnson und Dr. Mohamed Elbatanouny (Wiss, Anney, Elstner Associates Inc., Chicago), Prof. Thomas Kletschkowski (Hochschule für angewandte Wissenschaften, Hamburg), Nathalie Bäschlin, Matthias Läuchli und Cornelius Palmbach (Kunstmuseum Bern).

Symposium:
„Alles schwingt: Mechanische Schwingungen wirken auf Kunstwerke“
Fr 29.06.2018, 13 – 18.00 Uhr und Sa 30.06.2018, 9.30 – 16.30 Uhr
Auditorium, Kunsthalle Mannheim, Friedrichsplatz 4, 68165 Mannheim
Teilnahmegebühr: 120 Euro, ermäßigt für Studierende: 40 Euro.
Weitere Infos unter www.kuma.art/de/symposium-alles-schwingt-mechanische-schwingungen-wirken...

Das Interesse war riesig und der Andrang enorm: Zur feierlichen Eröffnung der neuen Kunsthalle Mannheim von Freitag, 01. Juni bis Sonntag, 03. Juni 2018, kamen insgesamt rund 32.000 Interessierte. Am Freitagabend zog sich die Schlange der Wartenden wie ein buntes Band um das Gebäude und das benachbarte Maritim Hotel. Dreimal musste das Haus kurzzeitig aus Sicherheitsgründen geschlossen werden, weil es einen Stau an Besuchern gab.
„Das übersteigt meine Erwartungen bei weitem“, jubelt Dr. Ulrike Lorenz. Die Direktorin der Kunsthalle Mannheim freut sich über die Reaktionen der Besucher, die überwiegend von dem Gebäude begeistert waren: „Es ist schön festzustellen, dass sich all unsere Ideen und Visionen auch tatsächlich den Besuchern vermitteln.“
Ein Höhepunkt des Eröffnungswochenendes war das Künstlergespräch mit Jeff Wall, zu dem am Samstagnachmittag über 200 Fotobegeisterte kamen. Eineinhalb Stunden lang unterhielt sich der Autor David Campany mit dem kanadischen Fotopionier über die Hintergründe seines Schaffens. Wall, der als der langsamste Fotograf der Welt gilt, erläuterte anhand von konkreten Beispielen, wie seine Fotos entstehen.
Am Sonntagvormittag stellte sich die US-amerikanische Bildhauerin Rita McBride, die 2013 bis 2017 als Direktorin die Kunstakademie in Düsseldorf geleitet hat, auf ihrer „Arena“ (1997) den Fragen von Dr. Ulrike Lorenz und vom Publikum und thematisierte ihre Rauminstallation, die sich in der Kunsthalle mit der „Erschießung Kaiser Maximilians von Mexiko“ (1868-1869) von Edouard Manet auseinandersetzen muss. Dieses spannungsvolle Aufeinandertreffen zweier ganz unterschiedlicher Kunstwerke aus zwei Jahrhunderten war die Basis der Performance „Bodies and Structure. Interventions #01-09“ von Alexandra Waierstall, die während des Grand Openings neun Mal aufgeführt wurde. Zyklisch entfalteten hier sich morgens, mittags und abends auf und neben der „Arena“ immer wieder Begegnungen zwischen den Performenden und den Besuchern und dem Raum.
Auf ca. 13.000 Quadratmetern Nutzfläche zeigt die Kunsthalle ihr neues Konzept als „Museum in Bewegung“ in einer „Stadt in der Stadt“. Zehn Kuben im Neubau und die historischen Galerien des Jugendstilbaus erwarten die Besucher mit bekannten Meisterwerken und ortsbezogenen Positionen, mit Sammlungsausstellungen zur Provenienzforschung und zur Ausstellungsgeschichte der Kunsthalle.
Mit ihrer umfassenden Digitalen Strategie eröffnet die Kunsthalle Kommunikationskanäle und Möglichkeiten für die Besucher, selbst kreativ zu werden. Collection Wall und Kunsthallen-App sind aufeinander abgestimmt und bieten spielerische wie forschende Vertiefungsebenen an. Neben den Ausstellungen stellt das ebenfalls neue ProgrammPlus mit Debatten- und Konversationsformaten gesellschaftspolitisch brisante und auch ganz persönliche Fragen in den Mittelpunkt.
Entworfen wurde der Neubau von gmp – Architekten von Gerkan, Marg und Partner. Die weltweit tätige Architektensozietät mit Sitz in Hamburg überzeugte 2012 im internationalen Wettbewerb mit ihrem Konzept einer „Stadt in der Stadt“. Ermöglicht wurde das Großprojekt durch herausragendes privates Engagement sowie die enorme Leistung der Stiftung Kunsthalle Mannheim. Das Gesamtbudget von 68,3 Mio. Euro wurde eingehalten. Davon wurden 50 Mio. Euro von Dr. h.c. Hans-Werner Hector und Josephine Hector gestiftet; 11,4 Mio. Euro kamen von der Stadt Mannheim, die auch die Außenanlagen umsetzte. Darüber hinaus spendeten weitere private Mäzene und Stiftungen für den innovativen Museumsneubau. Die Baden-Württemberg Stiftung investierte 1,85 Mio. Euro in die Digitale Strategie der Kunsthalle.
Die erste programmatische Sonderausstellung „APPEARANCE“ ist Jeff Wall gewidmet, der als Pionier der zeitgenössischen Konzeptfotografie maßgeblich dazu beigetragen hat, Fotografie als gleichberechtigtes Medium in die bildende Kunst einzubringen. Eine Koproduktion der Kunsthalle und des Mudam Luxembourg – Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, wo sie ab 05. Oktober 2018 zu sehen sein wird.
Ab Dienstag, 05. Juni 2018, nimmt das Kunstmuseum am Friedrichsplatz seinen regulären Betrieb auf. Nächstes Highlight: der MVV-Kunstabend am Mittwoch, 06. Juni 2018, 18 bis 22 Uhr, Eintritt frei. (Alle Infos unter www.kuma.art.)

Kennt man den französischen Bildhauer Auguste Rodin, so kennt man auch sein Hauptwerk „Das Höllentor“. Den Auftrag für das Bronzeportal, an dem er sein gesamtes Leben gearbeitet hat, erhielt Rodin im Jahr 1880 vom französischen Staat. Hier setzt der Spielfilm des Regisseurs Jaques Doillon ein, den die Kunsthalle Mannheim in Kooperation mit dem Cinema Quadrat am 17. Mai 2018 um 19.30 Uhr zeigt.

Auguste Rodin (1840-1917) ist einer der Wegbereiter der modernen Skulptur. Er war bereits ein erfolgreicher Künstler, als er den Auftrag erhielt, das Bronzeportal für das neue Musée des Arts Décoratifs in Paris zu entwerfen. Obwohl es als Hauptwerk des Künstlers gilt, kam das berühmte Modell nie zur Ausführung. Um 1880 lernte Rodin auch die junge Künstlerin Camille Claudel (1864-1943) kennen, die seine Assistentin und Geliebte wurde. Als Künstlerin fand Claudel trotz ihrer außerordentlichen Begabung keine Anerkennung. Die Liebesbeziehung zu Rodin scheiterte.

Die kompakte Film-Biografie (F 2017, 121 Min.) des berühmten Bildhauers basiert auf der intensiven Beschäftigung des französischen Regisseurs Doillon mit Rodins Kunstwerken. Der Film beschreibt detailliert den künstlerischen Schaffensprozess und die Ideen hinter Rodins großartigen Plastiken und Skulpturen. Zu diesen zählt auch „Eva“, die die Kunsthalle Mannheim ab dem Grand Opening am 01. Juni 2018 wieder in ihrer Sammlungspräsentation zeigt.

Christiane Wichmann, M. A., führt mit einem Vortrag zu Leben und Werk Auguste Rodins in den Film ein.

Datum: Donnerstag, 17.05.2018, 19.30 Uhr
Veranstaltungsort: Cinema Quadrat e.V., Collini-Straße 1 (Collini-Center), Mannheim
Eintritt: 8 €, erm. 6 €, 5 € Mitglieder Cinema Quadrat/Förderkreis Kunsthalle Mannheim

Gemeinderat beschließt am Dienstagabend die Vertragsverlängerung um fünf Jahre
Dr. Ulrike Lorenz, Direktorin der Kunsthalle Mannheim, bleibt der Stadt Mannheim für weitere fünf Jahre erhalten: Am 20. März 2018 hat der Gemeinderat in nichtöffentlicher Sitzung die Verlängerung ihres Vertrages bis Ende 2023 beschlossen und ist damit der Empfehlung des Kulturausschusses gefolgt. Dr. Lorenz ist seit 2009 Direktorin der Kunsthalle Mannheim.
„Zehn Jahre Mannheim, ein legendäres Museum für Gegenwartskunst mit 100-jähriger Tradition und ein hochmotiviertes Team – das setzte ungeahnte Energien frei und machte einen gewaltigen Zukunftsschub möglich: Am 1. Juni 2018 eröffnen wir die neue Kunsthalle Mannheim und zwar als eine radikal demokratische ,Stadt in der Stadtʻ mit einem innovativen kuratorischen Programm und einer umfassenden digitalen Strategie“, erklärt Dr. Lorenz. „Es freut mich riesig, diese ‚Wiedererfindung‘ der Kunsthalle unter den Bedingungen des 21. Jahrhunderts lotsen zu dürfen und ich bin total gespannt auf die Potenziale und geistigen Abenteuer, die die Institution künftig noch offenbaren wird.“
Dass die derzeitige Direktorin auch für eine erfolgreiche Leitung der neuen Kunsthalle Mannheim beste Voraussetzungen mitbringt, unterstreicht Kulturbürgermeister Michael Grötsch: „Dr. Ulrike Lorenz ist eine Persönlichkeit, die Mannheim als Kunst- und Kulturstadt voranbringt. Ich bin überzeugt, dass sie gemeinsam mit ihrem Team dem Ziel, das bundesweite Renommee der Kunsthalle Mannheim zu stärken, weiter mit großen Schritten entgegengehen wird. Mit dem signalhaften Neubau und der Sanierung des Jugendstil-Gebäudes wurden hierfür die Grundlagen geschaffen.“
Unter der Leitung von Dr. Lorenz wurden 2010 bis 2013 der über 100-jährige Jugendstilbau von Hermann Billing generalsaniert sowie seit 2012 ein zukunftsweisender Museumsneubau geplant und gebaut.
Schwerpunkte ihrer inhaltlichen Arbeit setzt sie mit zahlreichen Ausstellungen und Erwerbungen zum erweiterten Skulpturenbegriff der Gegenwart von Joseph Beuys, Bruce Nauman, Dan Graham bis zu aktuellen Positionen von Thomas Hirschhorn, Olafur Eliasson und William Kentridge. Ebenso rückte sie wenig beachtete Künstlerinnen der Klassischen Moderne und Gegenwart in den Fokus der Museumspolitik: von Ré Soupault bis Hannah Höch und von Magdalena Jetelová bis Pipilotti Rist.
Das gesamte Museumsensemble wird am 1. Juni 2018 mit einer Ausstellungsfläche von 5.500 Quadratmetern eröffnet. Das innovative kuratorische Konzept wurde unter dem Leitbild „Museum in Bewegung“ im Verständnis einer „Stadt in der Stadt“ entwickelt. Dabei stehen existenzielle Themen im Mittelpunkt wechselnder Sammlungspräsentationen, die Kunstwerke nach ihrer Relevanz für das Leben in der urbanisierten Gesellschaft von heute befragen. Vermittelt und begleitet werden sie von einer beispielhaft umfassenden Digitalen Strategie.